Organizzato in collaborazione con Magazzino Italian Art, Associazione Vela al Terzo Venezia e Comune di Venezia, con il supporto della galleria Mazzoleni, a cura di Chiara Spangaro con il project management di Marcella Ferrari, Red Regatta è la prima opera d’arte ad essere registrata come “Regata pulita”, un programma di Sailors for the Sea powered by Oceana, che mobilita i marinai a proteggere l’oceano attraverso l’educazione e l’attivismo.

Attraverso rendering fotografici dipinti a mano dall’artista, lavori realizzati con la tela utilizzata per vele, opere su carta, fotografie, un’installazione in vetro, sculture sonore e una nuova serie di studi ad acquerello della Laguna di Venezia, In Venice esalta a pieno lo speciale rapporto personale di Melissa McGill con Venezia.

L’artista ha voluto dare vita ad una riflessione che riguardasse questioni non solo ambientali ma anche storiche: il rosso delle vele si riferisce alla forza della vita ma anche alla stessa Venezia con i suoi mattoni e tetti di terracotta, la sua bandiera, la storia del commercio del pigmento rosso, i dipinti di Tiziano, Tintoretto e gli altri maestri veneti.

L’esposizione In Venice propone una serie di lavori creati durante le diverse fasi di realizzazione di Red Regatta. Il primo gruppo comprende i rendering fotografici su larga scala dipinti a mano dall’artista. Il secondo sono studi del color rosso vibrante, su tela da vela e carta, realizzati durante la creazione delle cinquantadue tonalità per Red Regatta. La terza serie, Riflessi, sono fotografie scattate dall’artista durante lo svolgersi della manifestazione presentate in due suggestive installazioni, una stampata su carta, l’altra su vetro. Completa l’esperienza nuova serie di studi ad acquerello della laguna veneziana, così come il progetto Campo Box (Santa Maria Nova) e Campo Box (San Polo), scatole scultoree sonore, laccate in nero, che evocano la planimetria e l’esperienza uditiva dei campi veneziani e di chi ci abita.

“Red Regatta e le opere ad essa correlate parlano simultaneamente, da un lato, di una dimensione individuale, intima e locale, di cose “fatte a mano” mentre, dall’altro, enfatizzano la comunità collettiva, pubblica e globale su larga scala. Riunire le persone, per un obbiettivo comune, sia su scala intima sia collettiva, è al centro del mio lavoro”, ha commentato Melissa McGill.

Marsilio Editore pubblicherà inoltre uno speciale volume che celebra il progetto che sarà disponibile dal 17 giugno. Red Regatta conterrà testi originali dell’artista, oltre a interventi di Silvio Testa e Chiara Spangaro. Mostra e libro saranno inaugurati presso Mazzoleni a Londra martedì 22 giugno, appuntamente che vedrà la partecipazione di Melissa McGill che si confronterà con Flavia Frigeri e Tamsin Dillon.

Per celebrare il lancio del libro, domenica 20 giugno alle ore 14, dalla sede nautica dell’Associazione Vela al Terzo Venezia tra Fondamenta Nove e Isola San Michele a Venezia, navigheranno una trentina di barche a vela tradizionali a vela al terzo, ciascuna con vele dipinte a mano in una diversa tonalità di rosso. Questo speciale meeting, organizzato dall’artista, è dedicato ai suoi collaboratori veneziani e alla città di Venezia a cui è legata sin dai primi anni ’90 e sarà anche un’occasione per ricordare Giorgio Righetti, Presidente dell’Associazione Vela al Terzo Venezia, scomparso lo scorso maggio.

Alle 17, dopo l’evento velico, il libro sarà presentato al pubblico presso la sede dell’Associazione Vela al Terzo Venezia a Venezia. Introdurrà l’evento Marina Spinadin, Vicepresidente di AVT, alla presenza dell’artista, del direttore di Magazzino Italian Art, co-organizzatore della Red Regatta, Vittorio Calabrese, del curatore del progetto, Chiara Spangaro e del giornalista e scrittore Silvio Testa, socio AVT.

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Al di là degli entusiasti numeri che confermano un costante seguito – di visitatori e media – per l’evento internazionale, è interessante notare la sempre maggior importanza del visitatore, sia come motore della manifestazione che come suo sostenitore. Entrambi gli interventi hanno sostenuto il ruolo centrale del visitatore, non un individuo che attraversa passivamente la mostra per apprendere le verità dell’arte contemporanea, bensì un soggetto attivo che interagisce con le opere, molto più di quanto l’artista o il curatore abbiano immaginato, e torna a casa non con un bagaglio di certezze ma con una visione del mondo notevolmente arricchita. Come dichiara Baratta “non esponiamo certezze, esponiamo forme ed oggetti che parlano alle nostre ansie. La mostra pone delle domande piuttosto che dare delle risposte, è un incontro di sollecitazioni.”

La Biennale, incalza Rugoff, riflette sugli aspetti del  nostro tempo esponendone le contraddizioni. In un momento di crisi, in cui tutti tendono alla semplificazione, l’arte mostra invece la complessità del mondo. Un aspetto che motiva anche le scelte curatoriali della mostra, ovvero la necessità di individuare degli artisti che non si limitino a documentare o criticare la realtà, ma che attraverso la loro opera siano in grado di provocare una reazione nell’osservatore e attivare un dialogo che non escluda differenti interpretazioni.

L’arte mette in dubbio una visione univoca, il suo compito è invitare all’approfondimento e alla ricerca, temi cari al curatore tanto da farne un metro di scelta per gli artisti da invitare in mostra, collegandoli alla capacità dell’artista di attivare un approccio ludico, che non significa superficiale, ma piuttosto stimola la libera esplorazione.

Dopo queste considerazioni, si può comprendere come la struttura della Biennale, suddivisa in padiglioni nazionali, definita da molti anacronistica e ancora una volta difesa strenuamente da Baratta, sia in realtà per Rugoff un’ulteriore opportunità per parlare della complessità del mondo e delle sue contraddizioni, che si palesano in questa intrinseca natura della manifestazione.

Baratta vuole però precisare che, nonostante la presenza dei vari paesi, la Biennale resta indipendente e autonoma, al di fuori degli interessi politici o economici perché “lo scopo è chiarire il rapporto tra curatore, istituzione, opera d’arte e visitatore”. Un rapporto di fiducia che si costruisce nel tempo, proficuo dato che favorisce lo scambio di idee e genera conoscenza perché, come dichiara Rugoff, l’arte è costante e libero apprendimento.

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La Biennale di Venezia, in concomitanza con la Festa della Madonna della Salute, offre la possibilità ai residenti nel Comune di Venezia di visitare gratuitamente la 58. Esposizione Internazionale d’Arte – May You Live In Interesting Times nelle giornate di giovedì 21 novembre e venerdì 22 novembre 2019.

Per accedere all’Esposizione è necessario ritirare il biglietto presentando presso le biglietterie dei Giardini o dell’Arsenale un documento d’identità valido, che certifichi la residenza (no Imob). Si ricorda che il biglietto consente un solo ingresso in ciascuna delle due sedi espositive, Giardini o Arsenale.

Inserita nel contesto dei Meetings on Art, e dopo il grande successo ottenuto a maggio con le performance inaugurali, la settimana di chiusura della Biennale Arte 2019 darà vita a una serie di nuove performance con programma giornaliero che si svolgeranno tra il Teatro alle Tese e il Teatro Piccolo dell’Arsenale.

In una serie di conferenze performative e sessioni d’ascolto, Vivian Caccuri, Bo Zheng, Cooking Sections, Vivien Sansour e Invernomuto affrontano i temi della bio-politica e più ampie questioni ecologiche, dalla terra fino al mare e al corpo umano. Attraverso una nuova collaborazione, Paul Maheke, Nkisi e Ariel Efraim Ashbel mettono in evidenza geografie diasporiche, saperi ancestrali e domande sulla visibilità e invisibilità delle voci spesso marginalizzate nella storiografia dominata dal punto di vista occidentale. Preso nel suo insieme, il programma di performance apre nuove e complesse letture del passato e del presente, nonché di un potenziale futuro (organizzazione artistica Aaron Cezar; con il supporto aggiuntivo di Arts Council England e Delfina Foundation).

«La Mostra May You Live In Interesting Times dà risalto all’arte che esiste tra categorie e generi convenzionalmente accettati – spiega Ralph Rugoff – e mette in discussione le ragioni che stanno dietro il nostro modo di pensare per categorie. Il programma di performance rappresenta questo tipo di approccio, testando le convenzioni estetiche, comportamentali e sociali in un’ampia gamma di eventi.»

Programma:

Venerdì 22 e sabato 23 novembre – Teatro alle Tese 3

Performative lectures: Una serie in tre parti di conferenze performative e sessioni di ascolto che affrontano i temi della bio-politica e più ampie questioni ecologiche.

11.30 – 12.30 Parte I

Bo Zheng, Plant Sex Workshop (2019) (25 min.)

Pausa di 10 min.

Vivian Caccuri, Mosquitoes Also Cry, (2018) | The Fever Hand (2019) (25 min.)

Pausa di 30 min.

13.00 – 14.00 Parte II

Cooking Sections, CLIMAVORE: On Tidal Zones (2018) (25 min.)

Pausa di 10 min.

Vivien Sansour, Autonomia (2019) (25 min.)

Pausa di 30 min.

14.30 – 15.30 Parte III

Invernomuto, Black Med: Chapter IV (sessione d’ascolto) (2019) (50 min.)

Teatro Piccolo Arsenale – 18.15

Paul Maheke, Nkisi e Ariel Efraim Ashbel, Sènsa (2019) (30 min.)

Domenica 24 novembre – Teatro alle Tese – 11.30

Meetings on Art | Conversazione tra Paolo Baratta e Ralph Rugoff

a seguire Presentazione del volume Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia, 1895-2019

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Il Padiglione Italia è stato inaugurato alla presenza del curatore Milovan Farronato, del Presidente Paolo Baratta, del ministro dei Beni culturali Alberto Bonisoli e del sindaco di Venezia, Luigi Brugnaro.

Gucci e la Fondazione Pinault in occasione dell’inaugurazione del Padiglione Italia ha festeggiato alla Fondazione Cini con un cocktail e una cena con ospiti esclusivi.

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Per fruire dell’installazione (composta da tre video che presentano la stessa scena da altrettanti e differenti punti di vista) lo spettatore è invitato a  prendere liberamente posto nel piccolo anfiteatro (che ricorda per colori e struttura le stesse aule parlamentari – quella italiana e quella australiana – proiettate sugli schermi) ricreato da Mesiti, e ad interagire scegliendo di volta in volta quale video osservare e – quindi – con quale parte dell’opera idealmente dialogare.

Mesiti si serve della macchina stenografica Michela (brevettata – ispirandosi ad un’idea della musica come linguaggio universale – da Antonio Michela Zucco nel 1876 ed ancora oggi in uso nel Senato italiano per la redazione dei verbali). La macchina – simile ad un piccolo pianoforte – viene  utilizzata per ricodificare un poema dello scrittore australiano David Malouf; il poema è successivamente trasposto (e quindi tradotto nuovamente, utilizzando diversi codici) in musica dal compositore Max Lyandvert ed eseguito da una serie di musicisti che – esibendosi con strumenti differenti, singolarmente o all’unisono – occupano alternativamente i tre schermi.

I processi di traduzione, attuati attraverso le differenti codificazioni, mettono in risalto quanto importante sia (soprattutto in questo momento storico) porre le basi per un dialogo ed una comprensione dell’ ”Altro” perché  questi (nel processo di governo in particolare, ed in generale nella società) possa sempre avere la certezza – quando decide di far sentire la propria voce – di essere ascoltato, e che il suo messaggio (con i giusti mezzi, correttamente decodificato) possa essere interamente – e per quello che è – riconosciuto.

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Vale la pena gustarsi con tranquillità le corderie per apprezzare la 58° Biennale d’Arte che, se da principio sembrava suggerire un tema decisamente ampio, a conti fatti riesce a presentare un fil rouge che lega tra loro opere e artisti. “May You Live In Interesting Times” è una narrazione attraverso il nostro travagliato presente rappresentato da conflitti di diverso tipo: di genere, di confine, di credo, di pensiero…

Finalmente una mostra che richiede un impegno da parte del pubblico, ogni opera necessita di un quantitativo di tempo per essere osservata, contestualizzata, pensata e, soprattutto, discussa.

Mentre viene confermata la bellezza dei ritratti della pluriosannata Njideka Akunyili Crosby, sono brividi per l’installazione semplice e diretta di Teresa Margolles (La Búsqueda), drammi che nemmeno le surreali sculture di Jesse Darling riescono a superare. Non mancano le grandi installazioni come Eskalation di Alexandra Bircken, visione di un futuro apocalittico dove l’uomo pende come un fantoccio esangue nel tentativo di completare la sua scalata verso il cielo, o la disturbante casa delle bambole di Kaari Upson, teatro di una performance femminile sullo sdoppiamento di cose e persone (There Is No Such Thing Like Outside). Straordinaria la coinvolgente installazione sonora di Shilpa Gupta: For, in your tongue, I cannot fit. L’opera, che è costituita da una selva di microfoni trasformati in amplificatori e piedistalli acuminati che trafiggono pagine scritte, ha da subito un forte impatto visivo; tuttavia il cuore dell’installazione è il suono: la forza dell’opera sta nel ritmo di voci che dichiarano l’esistenza di un pensiero controcorrente (e per questo perseguitato).

Suono e materia sono elementi rilevanti della trama che si sviluppa in Arsenale: Tarek Atoui dedica un’intera sala alla produzione inusuale di sonorità differenti, intanto Nicole Eisenman lavora con alluminio e acciaio per plasmare i suoi ritratti distorti; mentre Otobong Nkanga fonde una lunga vena in marmo Lasa e vetro di Murano che sembra emergere dalle profondità della terra, le pitture a smalto di Ulrike Müller fanno dolcemente breccia nell’intimità dello spettatore. Azzeccata la scelta del curatore di sparpagliare le espressive sculture della svizzera Carol Bove e le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi nei vari angoli delle corderie, così tra le colonne di mattoni e le opere compaiono profili di lamiera colorata e grandi occhi neri intensi che osservano il visitatore.

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Ampia la partecipazione della fotografia, che ci offre molteplici punti di vista sul mondo: dalla vita performativa di Mari Katayama ai notturni degli emarginati di Soham Gupta, dalle scene inventate (forse) di Stan Douglas alle splendide tavole di Rosemarie Trockel.

Davvero intrigante anche la produzione video, in particolare le  fantasie evergreen sul futuro che ci attendono nel bosco di monitor di Hito Steyerl o nell’opera dallo stile video gaming di Jon Rafman, irriverenti invece gli sketch decisamente pop interpretati da Alex Da Corte.

Ma non basta, non si può non citare la stanza di lacrime e humour nero di Ed Atkins, la torre utopica di Lee Bul nata dal recupero di materiali di una zona demilitarizzata, i grandiosi pneumatici incatenati di Arthur Jafa, le video interviste dalle zone “bollenti” del pianeta realizzate da Neïl Beloufa… e infine su tutti trionfa l’ottantenne Jimmie Durham capace di fondere oggetti comuni e feticci di antiche civiltà per donare al pubblico uno specchio in cui riflettersi.

Ripercorrendo questo travagliato sentiero si avverte un senso di profonda inquietudine, se non proprio di disagio che accompagna la produzione artistica contemporanea, un sentimento che si riscontra non solo in Biennale ma anche in altre esposizioni – una tra tutte “La Pelle” di Luc Tuymans a Palazzo Grassi. Anche il concetto di bellezza volge rapido, muta in questo mondo folle, ma non si estingue.

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Il salto dalla sua prima Mostra a Frascati nel 2006 alla Rassegna prestigiosa di Venezia 2019 è rilevante offrendo una lieta sorpresa nel mondo dell’arte.

Il suo è un mondo artistico di un simbolismo spaziale in cui i fremiti di ispirazioni ascetiche incantano, mandano messaggi di intensa spiritualità.

“Golgota” è l’opera che predomina in cui tessuti antichi, lini e sete, oggetti che impongono il richiamo tragico e sublimante della Crocifissione: un polittico di 7 elementi largo 6,80 e alto 3,85 metri. Una epifania conturbante dalla quale emanano passi e ansietà di una ‘via crucis’ che fremono per una ascesa purificatrice.

In altre opere immette la freschezza floreale che nobilita e ci conduce a nuove rinfrescanti primavere.”E’ un modo – spiega padre Fila – di rappresentare l’estasi, quel momento sublime in cui lo spirito di una persona è in pieno contatto con sé e con il divino”.

Questa Biennale è curata dall’inglese Ralph Rugoff che ha scelto 79 artisti di ogni parte della terra con la proposta di offrire ciascuno, sia all’Arsenale e sia al Padiglione, due loro invenzioni artistiche che affrontino tematiche contemporanee :il fenomeno dei cambiamenti climatici, la preoccupante apparizione di dei nazionalismi che tendono a offuscare la democrazia, le piaghe economiche prodotte dalle disuguaglianze sociali e altre manifestazioni caratterizzanti il nostro tormentato quotidiano.

Ne sono chiari segni insiti nelle varie opere: ci turbano ad esempio i fili spinati sulle mura presentati nell’opera della messicana Teresa Margolles o la testimonianza sconvolgente del naufragio del traghetto Sewol nei mari di Corea di Lee Bul o il barcone ripescato dei nostri emigranti posto alle Corderie; ancor più assillanti la raffigurazioni di macchine incombenti degli artisti cinesi Sun Yuari e Peng Yu che spazzano via l’uomo con i tormenti della loro invenzione e realizzazione artistica. Nobilitano invece l’opera nata dal cervello umano le testimonianze artistiche – anche questa è una novità nobilissima della Mostra – di molti artisti africani : i grandi dipinti del nigeriano Njideka Akunyli Crosby,le fotografie grondanti drammaticità e aspirazione redentrice della sudafricana Zanele Muholi, le pause idilliache e riposanti degli acquarelli della keniota Michael Armitageo, le problematiche istallazioni del sudafricano Kemang Wa Lehulere.

La istallazione multimediale del turco Halil Altindere grida alto l’esaltazione alla libertà di pensiero e di azione, messe in discussione nella sua patria martoriata mediante la sua originale opera multimediale. Pure all’avanguardia del richiamo alle istanze libertarie le altre incisive ed eloquenti istallazioni di Tomas Saraceno e quelle di Ed Atkins.

Altra novità di questa Esposizione è quella di aver – sotto la spinta innovativa sempre di Rudolf – dato maggior rilievo alle opere femminili rispetto a quelle maschili (43 donne e 38 uomini). Queste donne artiste immettono con forza le istanze di un loro inserimento decisionale e forte nella società. Si veda ad esempio la mostra fotografica della sudafricana Zanele Muholi in cui l’identità di genere è conclamata con grazia ma decisa conquista.

Per volontà del Presidente Baratta le numerose mostre collaterali che fioriscono attorno a quella ufficiale debbono cogliere problematiche urgenti e propositive per illuminare il cammino di una purificazione collettiva. Significativa in questo senso la sezione dedicata alla scienza e alla tecnologia e al rapporto tra l’uomo e la macchina.

Per tali tematiche predominanti, questa Mostra 2019 si caratterizza come una panoramica di opere orientate verso l’istanza di un rinnovamento dei nostri rapporti comunitari.

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L’esposizione, a cura del Prof. Kosme de Barañano ripercorrere tutti i periodi cruciali di sessant’anni di  carriera dell’artista attraverso dipinti, disegni, grafiche e sculture.

Georg Baselitz ha dichiarato: “Sono felice di essere stato invitato a presentare il mio lavoro all’Accademia a Venezia. Conosco bene la città e il museo da tempo ed è un piacere lavorare con Kosme de Barañano ad un progetto fortemente originale.”

Un’artista tra i più significativi della seconda parte del XX secolo che affronta la pittura in modo non convenzionale diventando uno degli artisti più innovatori.
Saranno esposte anche opere rare dell’artista.

La mostra, sostenuta da Gagosian, sarà corredata da un catalogo illustrato.

Baselitz è nato a Deutschbaselitz in Sassonia nel 1938 e vive tra la Germania, l’Austria, la Svizzera e l’Italia. Tra le sue numerose esposizioni internazionali si ricordano le importanti mostre alla Fondazione Beyeler e al Kunstmuseum a Basilea.

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«Il titolo di questa Mostra può essere letto come una sorta di maledizione – ha dichiarato il Presidente della Biennale di Venezia Paolo Baratta – nella quale l’espressione “interesting times” evoca l’idea di tempi sfidanti e persino minacciosi. Ma può essere anche un invito a vedere e considerare sempre il corso degli eventi umani nella loro complessità, un invito pertanto che ci appare particolarmente importante in tempi nei quali troppo spesso prevale un eccesso di semplificazione, generato da conformismo o da paura. E io credo che una mostra d’arte valga la pena di esistere, in primo luogo, se intende condurci davanti all’arte e agli artisti come una decisiva sfida a tutte le inclinazioni alla sovrasemplificazione.»

La Mostra si articola tra il Padiglione Centrale ai Giardini e l’Arsenale, includendo 79 artisti provenienti da tutto il mondo.

Ralph Rugoff ha dichiarato: «May You Live in Interesting Times include senza dubbio opere d’arte che riflettono sugli aspetti precari della nostra esistenza attuale, fra i quali le molte minacce alle tradizioni fondanti, alle istituzioni e alle relazioni dell’ “ordine postbellico”. Riconosciamo però fin da subito che l’arte non esercita le sue forze nell’ambito della politica. Per esempio, l’arte non può fermare l’avanzata dei movimenti nazionalisti e dei governi autoritari, né può alleviare il tragico destino dei profughi in tutto il pianeta.»

La Mostra è affiancata da 89 Partecipazioni nazionali negli storici Padiglioni ai Giardini, all’Arsenale e nel centro storico di Venezia. Sono 4 i paesi presenti per la prima volta alla Biennale Arte: Ghana, Madagascar, Malesia e Pakistan. La Repubblica Dominicana partecipa per la prima volta alla Biennale Arte con un proprio padiglione.

Il Padiglione Italia alle Tese delle Vergini in Arsenale, sostenuto e promosso dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane, è a cura di Milovan Farronato.

58. Esposizione Internazionale d’Arte. Foto di Giorgio Lazzari per NonSoloCinema.com

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Il progetto – avvalendosi di un sapiente e quadruplice punto di vista – si giova della collaborazione tra un artista (Motoyuki Shitamichi), un compositore (Taro Yasuno), un antropologo (Toshiaki Ishikura) e un architetto (Fuminori Nousaku) ed ha lo scopo di creare una base di riflessione sull’ecologia da un punto di vista totalizzante, ponendo l’attenzione su luoghi e qualità della vita attuale spesso intaccata dai cambiamenti (figli di un progresso dalle conseguenze talora discutibili – basti pensare al disastro nucleare successivo al terremoto verificatosi nel Giappone Orientale nel 2011) causati dall’intervento dell’uomo sulla natura.

Motoyuki Shitamichi – con l’opera Tsounami Boulder –

I testi, incisi sulle pareti, del racconto allegorico Cosmo-Eggs di Toshiaki Ishikura (antropologo specializzato in mitologia comparata) fanno riferimento a credenze,

58. Esposizione Internazionale d’Arte

Padiglione del Giappone – Giardini della Biennale

Commissario: The Japan Foundation
Curatore: Hiroyuki Hattori
Espositori: Motoyuki Shitamichi, Taro Yasuno, Toshiaki Ishikura, Fuminori Nousaku

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