Leonora Carrington (1917-2011) – la cui opera letteraria e artistica ha ispirato il titolo e le tematiche della 59. Esposizione Internazionale d’Arte – sarà lo spunto per discutere e ampliare i temi sollevati dalla mostra Il latte dei sogni: la rappresentazione dei corpi e le loro metamorfosi, il fallimento delle forme binarie di genere, l’occulto, l’alchimia, la magia e le epistemologie indigene; la relazione tra gli individui e le tecnologie; la svolta postumana; la connessione tra i corpi e la Terra; la pratica della fabulazione e gli approcci femministi alla curatela.

Durante queste 5 giornate interverranno Susan Aberth, Sophia Al-Maria, Tere Arcq, Tomaso Binga, Matthew Biro, Rosi Braidotti, Giulia Cenci, Susanne Christensen, Jeffrey Deitch, Elisa Giardina Papa, Andrea Giunta, Jack Halberstam, Saidiya Hartman, Jennifer Higgie, Tishan Hsu, Yuk Hui, Jacqueline Humphries, Candice Lin, Canisia Lubrin, Sebastiano Maffettone, Joanna Moorhead, Gloria Orenstein, Alexandra Pirici, Clarissa Ricci, Christina Sharpe, Marianna Simnett, Adrien Sina, Ánde Somby, Gražina Subelytė, Emma Talbot, Wu Tsang, Angela Vettese, Rinaldo Walcott, Marina Warner e Anna Watz (lista in aggiornamento).

Gli incontri saranno aperti al pubblico gratuitamente, con prenotazione obbligatoria al seguente link https://labiennale.vivaticket.it/it/tour/la-biennale-di-venezia-meetings-on-arts/3046 e fino a esaurimento posti. L’ingresso alla Biennale Arte 2022 non è incluso. Gli incontri saranno inoltre trasmessi in streaming sul sito della Biennale di Venezia, tradotti in diretta dall’inglese all’italiano e le registrazioni saranno poi disponibili su www.labiennale.org

IL PROGRAMMA
MARTEDÌ 7 GIUGNO
ORE 10.00 > 12.00
LEONORA CARRINGTON E LE METAMORFOSI DEL CORPO E DELL’UMANITÀ
Note di benvenuto e osservazioni introduttive di Cecilia Alemani, Curatrice de Il latte dei sogni. Conversazione tra Joanna Moorhead, giornalista e autrice; Marina Warner, premiata scrittrice di narrativa, critica e storia; modera Angela Vettese, critica d’arte e docente presso l’Università Iuav di Venezia.
ORE 17.00 > 19.00
FEMMINISMO POSTUMANO
Intervento di Rosi Braidotti, filosofa e professoressa Emerita all’Università di Utrecht.
Conversazione tra Rosi Braidotti, Alexandra Pirici, artista partecipante alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte e Jeffrey Deitch, curatore della mostra Post Human del 1992 e gallerista, Jeffrey Deitch Gallery.

MERCOLEDÌ 8 GIUGNO
ORE 10.00 > 12.00
CARRINGTON E LA CREAZIONE DELL’IMMAGINE QUEER/TRANS*
Intervento di Jack Halberstam, autore e docente presso il dipartimento di letteratura inglese e comparata della Columbia University. Conversazione tra Giulia Cenci, Candice Lin e Marianna Simnett, artiste partecipanti alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte; modera Jack Halberstam.
ORE 17.00 > 19.00
UN VIAGGIO TRA LE INTERCONNESSIONI TRA CARRINGTON E SAMI
Introduzione e performance yoik di Ánde Somby, professore di diritto indigeno e yoiker Sami tradizionale di Sirbma, città nei territori Sápmi della Norvegia settentrionale. Conversazione tra Susanne Christensen, redattrice dell’Annuario d’Arte norvegese, critica e autrice; Gloria Orenstein, Professoressa Emerita in Letteratura Comparata e Studi di Genere dell’Università della California del Sud; modera Ánde Somby. Chiuderà l’incontro la proiezione di Gloria’s Call, diretto da Cheri Gaulke, un documentario sul viaggio di Gloria Orenstein nell’arte e nel surrealismo, nell’ecofemminismo e nello sciamanesimo Sami.

GIOVEDÌ 9 GIUGNO
ORE 10.00–11.00
FILOSOFIA POSTUMANA
Keynote di Sebastiano Maffettone, Professore e Direttore di Ethos, Università Luiss.
ORE 17.00 > 19.00
TRA L’INCANTO DELLA TECNOLOGIA E DELLA TECNOFOBIA
Keynote di Yuk Hui, filosofo e autore, Professore Associato, Filosofia della Tecnologia e dei Media, SCM, City University di Hong Kong. Conversazione tra Yuk Hui; Tishan Hsu e Jacqueline Humphries, artisti partecipanti alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte; modera Matthew Biro, Professore di Arte Moderna e Contemporanea presso l’Università del Michigan.

VENERDÌ 10 GIUGNO
ORE 10.00 > 12.00
SURREALISMO E OCCULTISMO, TAROCCHI E MAGIA
Conversazione tra Susan Aberth, docente di storia dell’arte e cultura visiva al Bard College, Annandale-on-Hudson, New York; Tere Arcq, curatrice indipendente e storica dell’arte; Emma Talbot, artista partecipante alla 59. Mostra Internazionale d’Arte; modera Gražina Subelytė, Curatrice Associata della Collezione Peggy Guggenheim.
ORE 17.00 > 19.00
FABULAZIONE
Intervento di Saidiya Hartman, Professoressa Universitaria alla Columbia University di New York. Conversazione tra Saidiya Hartman, Sophia Al-Maria ed Elisa Giardina Papa, artiste partecipanti alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte; modera Anna Watz, Professoressa Associata di Inglese, Linköping University, Svezia.

SABATO 11 GIUGNO
ORE 10.00 > 12.00
CHE COSA POTREBBE ESSERE UN CONTENITORE?
Keynote di Christina Sharpe, Professoressa e Canada Research Chair in Black Studies in the Humanities alla York University di Toronto. Conversazione tra Rinaldo Walcott, Professore, Women and Gender Studies, Università di Toronto; Canisia Lubrin, poetessa, scrittrice di narrativa e saggistica e Assistente Professoressa di Scuola di Inglese e Studi Teatrali presso l’Università di Guelph, Ontario; Wu Tsang, artista partecipante alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte; modera Christina Sharpe.
ORE 15.30 > 16.30
TOMASO BINGA: PERFORMANCE DAL VIVO E PROIEZIONE
Proiezione di un estratto dal documentario “Bianca-Tomaso e altri guerrieri. L’urlo dell’arte femminile in Italia negli anni Settanta”.  Introduzione al documentario di Rosa L. Galantino, produttrice, (proiezione di 11 minuti e 30 secondi). Intervento di Tomaso Binga, artista partecipante alla 59. Esposizione Internazionale d’Arte; segue una performance dal vivo.
ORE 17.00 > 19.00
CURARE DA PROSPETTIVE FEMMINISTE
Intervento di Andrea Giunta, curatore e professore, Universidad de Buenos Aires, Argentina e CONICET. Conversazione tra Andrea Giunta; Adrien Sina, curatore e storico dell’arte; Clarissa Ricci, Professoressa Aggiunta, Università di Bologna; modera Jennifer Higgie, romanziera, sceneggiatrice, critica d’arte ed editor.

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Al principio delle artiglierie in arsenale, il visitatore, con stupore e meraviglia, entra in un spazio ridotto colmo di oggetti colorati e inusuali. In realtà molti dei circa 300 manufatti in porcellana esposti hanno le stesse funzionalità degli oggetti di uso quotidiano: sono lampade, brocche, vasi, specchi, ma hanno subito una metamorfosi, ci scrutano con le loro centinaia di occhi, con bocche e denti che in alcuni casi urlano, in altri sorridono.

Gli oggetti sembrano originati da un’esplosione della mente ma, come ci viene spiegato, la loro collocazione non è casuale. Essenzialmente entrare nel padiglione è come entrare a casa delle artiste, che effettivamente convivono insieme da tempo.

Possiamo passeggiare nel loro soggiorno e osservarci allo specchio nell’area della toletta senza incontrare ostacoli perché non esistono muri a suddividere le stanze. In breve si capisce che questa installazione sviluppa una riflessione che va oltre la bellezza dell’artefatto, le artiste infatti si interrogano su quale sia il confine tra spazio pubblico e spazio privato.

Osservando la mappa della casa prodotta per l’occasione, notiamo che accanto ai nomi delle varie stanze solitamente presenti in un’abitazione – cucina, bagno, soggiorno… – sono appuntate alcune parole e azioni connesse ai medesimi spazi. Nell’area della cucina sono segnalate creatività, produttività e storytelling, del resto sappiamo bene che la cucina oltre ad essere una sorta di antro in cui si sperimentano ricette di ogni tipo, è anche un luogo di condivisione, spesso generazionale – dalla nonna ai nipoti o dai genitori ai figli – di storie e racconti. In cucina le artiste posizionano piatti da portata, panieri, porta uova e tazze che sembrano animati.

L’angolo dedicato al bagno chiaramente fa riferimento all’acqua, cioè al prezioso liquido che porta la vita ed è quindi legato al tema della fertilità, motivo per cui troviamo una parete di boccette che rappresentano dei seni, un richiamo al latte materno.

La camera da letto è la zona più privata, custodisce i nostri segreti, sogni, desideri ed è qui rappresentata da un letto in ceramica posto in verticale, tra le lenzuola un mare in tempesta è portatore di gioie e tristezze. Il letto è inoltre circondato dai frutti maturi di un giardino paradisiaco con tanto di lumache sproporzionate e casette per gli uccelli.

Subito accanto troviamo la zona della “vanità”, dedicata alla cura di sé che aiuta a rafforzare la propria identità, genera sicurezza e la volontà di equilibrare corpo e mente. Tra portagioie, specchi, ritratti di vagine e mostruose sedute c’è spazio anche per un inquietante accenno di maternità.

Al centro della stanza un lungo tavolo rappresenta, invece, il punto di incontro e scontro, l’archetipo della comunità che si riunisce in un preciso momento di convivialità. Sulla tavola sono disposti piatti, ciotole, fruttiere – sculture partorite da una fervida immaginazione, mentre un lampadario di falli pende dal soffitto.

Infine non manca uno spazio riservato al sacro, dove è ovviamente presente la scultura del Buddha contornata da fiori di loto e porta incensi. Si tratta dell’antica area dell’altare, che ha il potere di ricongiungere l’umano con i miti e la spiritualità.

“Selling Water by the River” è un padiglione che sicuramente si distingue dagli altri, non solo perché espone porcellane straordinarie, ma perché in un modo creativo ed esagerato invita a riflettere su qualcosa di comune come gli spazi quotidiani, la loro funzione e i loro confini. L’acqua, che metaforicamente sgorga da una fontana tentacolare, costituisce il trait d’union delle stanze, così come in natura è elemento che connette i viventi, in grado di oltrepassare le barriere politiche e sociali. Non a caso con questo intervento artistico alla Biennale Skuja Braden auspicano di aprire un dibattito sulla necessità di rendere gli spazi più inclusivi, ad esempio per la comunità LGBTQIA+ che nei paesi baltici si scontra ancora con una forte tradizione patriarcale che, grazie anche a questa installazione, gli artisti cercano di scardinare.

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59. Esposizione Internazionale d’Arte
Lettonia
Selling Water by the River
Commissario: Solvita Krese
Curatori: Solvita Krese e Andra Silapētere
Espositori: Skuja Braden (Ingūna Skuja e Melissa D. Braden)

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La motivazione dell’assegnazione del Leone d’Oro alla Gran Bretagna è la seguente: “Sonia Boyce propone un’altra lettura delle storie attraverso il suono. Lavorando in collaborazione con altre donne nere, svela una moltitudine di storie rimaste inascoltate. Boyce propone un linguaggio molto contemporaneo nelle forme frammentate che lo spettatore ricostruisce attraverso la sua esperienza nel padiglione”.

E’ una vera e propria cornice teatrale quella realizzata da Sonia Boyce (1962, Londra, UK) artista afro-caraibica proposta dalla British Council Commission 2022 per il Padiglione della Gran Bretagna in occasione della 59. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia “Il Latte dei Sogni”. Emma Ridgway, capo curatrice di Modern Art Oxford e prima Shane Akeroyd Associate Curator, cura la realizzazione del progetto.

L’installazione dal titolo Feeling Her Way conduce il visitatore all’interno di una dimensione composita dove il suono rappresenta il fil rouge di un lavoro fatto di un insieme simbiotico di suoni. All’interno di sale ricoperte di carta da parati dai colori eccentrici e con sedute dorate, dove compare l’elemento minerale della pirite – l’oro degli stolti secondo una concezione colonialistica – l’artista Sonia Boyce ha sviluppato un paesaggio onirico costituito di opere storiche e contemporanee che raggruppa il lavoro di cinque musiciste nere. Attraverso una serie di video con filtro colore ha esposto i lavori e le voci di Errollyn Wallen, Jacqui Dankworth, Poppy Ajudha, Sofia Jernberg e Tanita Tikaram. La creatività e la vita reale vengono trasposte in musica con tutte le possibili imperfezioni, contrapposizioni stilistiche e diversità che la vita reale contiene. Tutte si muovono in un respiro comune.

Sonia Boyce ha svolto un ruolo centrale nel Black Arts Movement in Gran Bretagna negli anni Ottanta. La sua ricerca si interessa a nuove forme di espressione e, in questo progetto presentato alla Biennale, propone l’improvvisazione nel canto come opportunità per una libera espressione tra le musiciste donne, che vengono riunite in un’unica installazione.

Il Padiglione si apre nella sala 1 con quattro video che mostrano Jacqui Dankworth, Poppy Ajudha, Sofia Jernberg e Tanita Tikaram negli Abbey Road Studios di Londra, guidate spontaneamente in vocalizzi da Errollyn Wallen, per poi svilupparsi attraverso sale che vedono interventi singoli o in coppia delle cinque artiste: nella sala 2 Jacqui, nella sala 3 Sofia e Jacqui, nella sala 4 una Devotional Collection, nella sala 5 Poppy e nella sala 6 Tanita.

Le cantanti danzano con le loro voci in una amicizia femminile intrisa di creazione, con gioia e giocosità, sperimentando e immaginando suoni in libertà e senza inibizioni o vincoli, in uno spazio unico, col piacere dell’invenzione. Le voci si inseguono e diventano strumenti musicali (come quando la Dankworth imita il rintocco di una campana) o imitano il verso di animali. Dall’archivio in continua crescita di Sonia Boyce, iniziato nel 1999 vengono prelevati oggetti esposti nella sala 4, la Devotional Collection, con copertine di album da 12”, singoli da 7”, cassette e CD, in confezioni originali.

Al termine della Biennale, Feeling Her Way sarà allestita nel 2023 alla Turner Contemporary di Margate, per poi spostarsi nel 2024 allo Yale Center for British Art, Connecticut, USA. Sarà la prima mostra del Padiglione Britannico a essere presentata fuori da Venezia e dal Regno Unito. Un Regno Unito che mostra con forza il suo volto multietnico.

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Il lavoro di Leigh ingloba e trasforma l’architettura del padiglione americano e immerge immediatamente il visitatore nel soggetto. L’esterno del padiglione degli Stati Uniti è ricoperto da un tetto in paglia, che nasconde la tradizionale facciata palladiana riconducibile alla piantagione di Monticello di Thomas Jefferson. La Facciata è un esplicito riferimento alle costruzioni realizzate per l’Esposizione Coloniale di Parigi del 1931, all’interno delle quali venivano esibiti usi e costumi delle popolazioni delle colonie francesi, un’operazione fortemente criticata dagli intellettuali dell’epoca. Al centro del cortile campeggia Satellite una rilettura monumentale del D’mba, strumento rituale delle popolazioni Baga della Guinea, che ai Giardini funge da richiamo per gli spettatori di tutto il mondo.

Una decina di opere all’interno del padiglione, sapientemente collocate in un semplice allestimento, denunciano la storia coloniale narrata dall’Occidente ed evidenziano le lacune presenti nella memoria collettiva. Le sculture sono realizzate in bronzo, paglia, ceramica – materiali chiaramente collegati all’Africa – e ruotano attorno alla tematica che l’artista approfondisce da anni: la soggettività della donna nera. In particolare, come suggerisce fin dal titolo – Sovranità – l’artista alla Biennale vuole affrontare l’argomento dell’autodeterminazione, dove “essere sovrani significa non essere soggetti all’autorità, ai desideri o allo sguardo altrui, ma essere autori della propria storia”.

Nella prima sala incontriamo uno stereotipo piuttosto comune: l’immagine di una donna che lava i panni nel fiume, tratta a sua volta da una serie di cartoline distribuite a fine Ottocento per promuovere l’immagine del “buon selvaggio” e convincere così i turisti bianchi a visitare le Indie Occidentali Britanniche – l’area dei Caraibi. Nella sala successiva incontriamo un riferimento ad un’altra area geografica: Edgefield in Carolina del Sud, celebre per la produzione di oggetti in grès e per la diffusione di vasi facciali che erano utilizzati dagli afroamericani con scopi religiosi, però in questa sede il vaso in ceramica smaltata subisce una trasformazione mostruosa.

Sentinella svolge il suo ruolo di vigilante tra i visitatori che attraversano gli spazi del padiglione, catturati da queste forme silenziose, l’opera è una figura di donna ma al contempo un richiamo ai bastoni di potere africani che “si crede posseggano in sé un’intrinseca energia e la conoscenza divina”. Nel video Conspiracy due mani intente ad impastare e modellare la materia attirano la nostra attenzione, Leigh viene ripresa mentre è al lavoro. La scultura che plasma è proprio quella accanto a noi: Sharifa, ritratto della scrittrice Sharifa Rodes Pitths, che descrive così la sua esperienza nel processo di creazione dell’opera d’arte: “Sotto le direttive di Simone, il mio corpo si trasforma facilmente da donna a terra, acqua, fuoco, aria, tempo”.

Una metamorfosi ulteriore ci attende nell’ultima stanza, dove una sfinge scruta il pubblico mentre alle sue spalle una cupola di rafia riprende le forme realizzate in ceramica e bronzo a partire da modelli in argilla lavorati dall’artista. Nascono così questi ibridi: volti di donna appoggiati su strutture a capanna, forse gonne, che si gonfiano smisuratamente, diventano vasi e contenitori, metafore del lavoro femminile ma anche portatrici di storia.

Il lavoro di Simone Leigh non finisce qui, in autunno infatti si svolgerà il progetto Loophole of Retreat: Venice, simposio organizzato da Rashida Bumbray attorno al tema del lavoro intellettuale e creativo delle donne nere, un modo per l’artista di ringraziare e sostenere “le generazioni di artiste e intellettuali nere che hanno reso possibile la sua carriera artistica”.

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La 59. Biennale d’Arte propone 213 artiste e artisti provenienti da 58 nazioni; 26 le artiste e artisti italiani, 180 prime partecipazioni, 1433 opere e 80 nuove produzioni, 30 eventi collaterali.
Otto paesi nuove partecipazioni nazionali: Camerun, Kazakistan, Repubblica del Kirghizistan, Namibia, Nepal, Oman, Uganda e Uzbekistan.
Padiglione Nordico ospiterà artisti indigeni Sámi.
Per la prima volta in 127 anni alla Biennale Arte la partecipazione di artiste donne e artisti non conformi di genere sarà sarà la maggioranza.
L’Ucraina è stata invitata alla mostra 4 settimane prima dell’inaugurazione, la Russia ha disdetto la partecipazione dopo la conferma degli ucraini senza specificare il motivo.
Durante la vernice nel Padiglione Russo si è svolta una performance non autorizzata, il protagonista è stato allontanato dalla polizia.
Una mostra che riflette anche sul conflitto ucraino e sui valori della libertà e della democrazia.

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Proseguendo verso la biblioteca ASAC Biennale l’occhio si sofferma sulle opere di Cecilia Vicuňa, artista cilena che presta un dettaglio di un suo dipinto alla grafica dell’esposizione: un occhio posato su uno strumento musicale, il tema dell’occhio lo troviamo costantemente non solo nelle sue tele ma lungo tutto il percorso di mostra. Le immagini fantasiose dell’artista sono filtrate da una rete di fili sospesi di diversi materiali, intorcolati sempre da Vicuňa, pendono dal soffitto alla presenza silenziosa e severa di tre grandi sculture di cordame realizzate da Mrinalini Mukherjee. Nel giardino Scarpa le figure bronzee di Simone Fattal dialogano piacevolmente con l’edera cresciuta lungo i muri, lo sciabordio dell’acqua e le curve architettoniche.

Le capsule temporali restano un dilemma tra buona intuizione e risultato concreto. Riprendere in mano la storia dell’arte per dare il giusto riconoscimento ad artiste e artisti sommersi è un’operazione notevole e delicata. Tuttavia destabilizza entrare nella sala di “Corpo Orbita” e trovare medium come Eusapia Palladino che spostava i tavolini con il pensiero o Linda Gazzera, artefice di famose sedute spiritiche, accanto agli interventi di poesia visiva di Mirella Bentivoglio o alle operazioni sul linguaggio di Tomaso Binga.

Appesi alle pareti azzurrine (l’allestimento ha effettivamente il potere di trasportarci in una vecchia aula scolastica) di questa “mostra nella mostra” vi sono gli arazzi di Gisèle Prassinos, gli “approcci artistici singolari”di Mina Loy, la trascrizione di messaggi provenienti da forze extraterrestri di Milly Canavero… e inspiegabilmente le poesie concrete di Mary Ellen Solt o le riflessioni della spazialista francese Ilse Garnier.

La sala successiva, una congiunzione tra lotte del passato e del presente che ruota attorno alla tematica gender, espone le creazioni di Ovartaci. I manufatti in qualche modo fungono da amarcord del “Palazzo Enciclopedico” di dieci anni fa, quando l’esposizione internazionale presentava un’arte fuori dai circuiti e libera espressione dell’individuo, spesso arte con connotati curativi.

Nan Goldin, così attenta a documentare l’universo LGBT newyorchese degli anni Ottanta, presenta Sirens – omaggio alla prima modella afroamericana: Luna Donayale. Il video costituito da frammenti di film è una riflessione sull’uso delle droghe, sugli stati di piacere che provocano e al contempo la devastazione a cui portano. Luna morì a 34 anni per overdose di eroina.

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Pochi passi tra i collage di Sheree Hovsepian, il letto a molle di Bronwyn Katz e la performance di gruppo con mascherine fantasiose di Alexandra Pirici e si raggiunge “La culla della strega”, una capsula riuscita perché coerente. Al suo interno spiccano i dipinti di Remedios Varo, Leonora Carrington, Dorothea Tanning, Leonor Fini accompagnate da futuriste e surrealiste (Benedetta Cappa, Rosa Rosà, Valentine de Saint-Point, Nadja, Toyen, Claude Cahun, Florence Henri…) in lotta per l’emancipazione della donna.

La condizione femminile nel dramma delle mure domestiche è al centro della ricerca di Paula Rego, artista portoghese che realizza sculture in cartapesta e dipinti. Nella piccola stanza che custodisce i disegni de “Il latte dei sogni” di Carrington sono ospitate altre opere di Rego che ironizzano sulle fiabe della tradizione inglese per svelare i meccanismi di potere che la società inculca fin dalla giovane età, grafiche che controbilanciano la visione di crescita a latte e sogni.

All’improvviso avviene uno stravolgimento di percorso nella sala che proietta uno sguardo passato verso il futuro, dove i grandi bulbi oculari di Ulla Wiggen osservano il visitatore mentre segue le ricerche di Charlotte Johannesson e Lenora de Barros.

Superato il trittico di sesso (il video incentrato sulla manutenzione delle sex doll di Sidsel Meineche Hansen), morte (le bare militari ricoperte di candele d’acciaio di Elaine Cameron-Weir) e cibo (il video risucchiante di Shuang Li) apprezziamo la delicatezza dei disegni fantasiosi di Birgit Jürgenssen così come la potenza del segno di Carla Accardi. L’artista romana è presente nel pantheon delle artiste italiane insieme a Marina Apollonio, Dadamaino, Lucia Di Luciano, Laura Grisi, Grazia Varisco, Nanda Vigo che illuminano la capsula  “Tecnologie dell’incanto” con le loro opere cinetiche-programmate, forse troppo importanti per occupare uno spazio così ridotto.

Per le giovani generazioni si apprezzano le sculture di Hannah Levy e Ambra Castagnetti, le tele colorate di Christina Quarles, gli esperimenti di Kaari Upson e Jacqueline Humphries, la malinconica poesia delle fotografie di Aneta Grzeszykowska.

Il Padiglione centrale, con il suo percorso labirintico, rappresenta sicuramente una sfida diversa rispetto all’arsenale ma, come le corderie, sostiene la figura dell’artista che si affaccia su un mondo caotico e continua a dipingere, scolpirlo, interpretarlo.

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Un’installazione a cura di Borys Filonenko, Lizaveta German, Maria Lanko (curatori del Padiglione Ucraina) Realizzata nel contesto della Biennale Arte 2022 con la collaborazione dell’Ukrainian Emergency Art Fund (UEAF) e della Victor Pinchuk Foundation.

L’installazione The Fountain of Exhaustionuna era esposta a Kiev (dal 1995) composta da imbuti e flussi che convogliano e separano l’acqua, ispirata all’incontro tra i fiumi Lopan e Kharkiv.

Una riflessione che immerge lo spettatore nel rapporto tra uomo e natura.

Prima della guerra l’artista viveva a Kharkiv con la sua famiglia e lavorava al centro di arte contemporanea “Yermilov Arts Center”, oggi rifugio antiaereo.
Lo scopo di questo progetto è dar voce agli artisti e alla comunità Ucraina, esprimere solidarietà dopo la brutale invasione della Russia.
Riflettere su quanto è successo, sull’importanza della libertà e della democrazia.

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L’ingresso dell’Arsenale è costituito da un grande muro bianco, con il titolo della mostra di Cecilia Alemani “Il latte dei sogni”, che non lascia presagire il mondo artistico retrostante l’inizio del percorso si apre con il monumentale busto in bronzo realizzato da Simone Leigh, Leone d’Oro di questa edizione.
Lungo il percorso opere, pitture e sculture di grandi dimensioni e colori di forte impatto che che guidano lo spettatore lungo il percorso.
Uno spazio di notevole atmosfera è quello dei grandi fiori fluorescenti in uno spazio buio di Tetsumi Kudo.
Grandi masse di terreno labirintico di Delcy Morelos si ergono al di sopra del piano di calpestio circondando il pubblico in un ambiente totalmente diverso dai precedenti.
Si procede tra ambienti soffusi, di grande impatto, dove luce e suoni si compenetrano e ogni ambiente scatena un’emozione in chi visita la mostra.

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I Padiglioni Vincitori della 59 edizione della Biennale di Venezia “The Milk of Dreams” presieduta da Adrienne Edwards e composta da Lorenzo Giusti, Julieta González, Bonaventure Soh Bejeng Ndikung e Susanne Pfeffer sono:

Leone d’oro per la miglior partecipazione a Simone Leigh

Leone d’oro per la migliore partecipazione nazionale alla Gran Bretagna, con l’artista Sonia Boyce

Leone d’argento ad Ali Cherri

Menzione speciale a Shuvinai Ashoona e Lynn Hershman Leeeson (statunitense)

Menzione speciale per i padiglioni nazionali Francia (molto apprezzata dal pubblico durante la vernice) e Uganda.

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Il progetto dell’artista Gian Maria Tosatti per la 59. Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia, “Il Latte dei sogni” dal titolo Storia della Notte e Destino delle Comete è come sempre nelle corde dell’artista una installazione ambientale che viene esposta nell’area delle Tese delle Vergini.

Una sfida molto ambiziosa – come racconta il Presidente Cicutto – quella di riempire di arte, pensiero, lavoro e creatività una superficie interna ed esterna di 3.000 mq, più grande del Teatro 5 di Cinecittà dove Fellini creava i suoi mondi fantastici.

Il Padiglione Italia, inaugurato nel 2006 all’Arsenale, è costituito dai due grandi ambienti delle Tese delle Vergini, con una estensione complessiva di 1.900 metri quadrati, e dal Giardino delle Vergini, con una superficie esterna di circa 1.000 metri quadrati. Il progetto artistico di Gian Maria Tosatti si sviluppa interamente nello spazio delle Tese. L’installazione è divisa in due capitoli. Il primo racconta l’ascesa e il declino del sogno industriale italiano, nel secondo la natura oltraggiata, fin dai tempi del diluvio, riprende i propri spazi.

Nei suoi lavori Tosatti prende spunto da riferimenti letterari che spostano lo sguardo verso il mondo del teatro e della performance, per approdare alle arti visive. In questa Opera nello specifico si avverte la presenza delle parole di Pasolini, di Anna Maria Ortese, di Ermanno Rea.

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L’Opera dimostra una forte attenzione per la natura, e si impone di disegnare una prospettiva, una via d’uscita dal buio. E’ un lavoro immersivo che tende a generare riflessione nello spettatore mettendolo di fronte agli errori, forse legati ai sogni del passato, conducendolo verso un possibile futuro che viene accennato ma che resta da scrivere. Nella Storia della notte, prima parte del progetto, lo sguardo muove da spazi industriali disallestiti e fermi, cristallizzati dentro uno sviluppo che c’è stato, ma che ora ha lasciato spazio alle rovine. C’è vuoto e silenzio. Il Destino delle Comete, nella seconda parte, apre verso un mare in tempesta, nel buio, ma sul quale si leva la speranza delle lucciole.

«Darei l’intera Montedison per una lucciola», scriveva Pier Paolo Pasolini nel suo editoriale sul Corriere della Sera, 1° febbraio 1975. Oggi che la Montedison è andata, il Destino delle Comete si propone di rappresentare simbolicamente quella lucciola sospesa sul mare, che allude al disastro ambientale che ha interessato il nostro mondo, ma che apre verso una epifania, come nella tradizione della tragedia greca, e diviene elemento catartico dell’Opera. Un bagliore di lucciole chiude il percorso del Padiglione Italia. Dice l’artista: per ricordarci cosa non siamo stati in grado di diventare fino ad oggi, ora forse dovremmo trovare il coraggio di diventare ciò che dovremmo.

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