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È una serie televisiva crime, avvincente perché scritta con sensibilità attuale (si comprende ben presto il caso drammatico cui si ispira) alternando colpi di scena alla sfera drammatica dei protagonisti.
L’argomento – gli abusi sulle donne – è tosto, è duro da digerire, ma viene analizzato e messo in scena con rispetto ma senza fare sconti.

Quello che interessa maggiormente è il rapporto causa-effetto: Furious è una serie piena di sfumature, va alla ricerca delle motivazioni, dei traumi che hanno subito le donne, getta uno sguardo sul mondo che le circonda, racconta la rabbia quando chi deve non fa nulla e così fallisce, ma fallisce anche la società. Non ci sono urla né sangue che scorre, per raccontare il passato di Alice e Catherine ci sono i dialoghi scritti con attenzione nell’essere cupi senza porgere il fianco all’enfasi della violenza gridata, senza essere morbosi riescono a descrivere i traumi.

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Noi abbiamo visto la serie in anteprima e siamo fan della versione autentico bianco e nero del direttore della fotografia Darran Tiernan.  
Ma consigliamo questa versione perché verrete immersi nell’epoca, vi sembrerà di vivere una illustrazione Marvel, anche grazie alle inquadrature diagonali, luci angolate e primi piani nitidi. È una serie molto suggestiva, il bianco e nero è un’esperienza visiva perfetta per la trama.
Ben Reilly è comparso per la prima volta nel fumetto The Amazing Spider-Man n. 149 (ottobre 1975) senza alcun legame con l’universo Marvel Noir di Terra-90214.

Marvel Noir nel 2009 ha ambientato versioni alternative di personaggi amati dai fan in un universo noir e freddo (spesso durante la Grande Depressione). È così che Spider-Man Noir (un alter ego di Peter Parker) si è visto dedicare un fumetto, fino alla comparsa sul grande schermo in Spider-Man: Into the Spider-Verse, dove è doppiato da Nicolas Cage.
Il regista vincitore dell’Emmy Award® Harry Bradbeer (Fleabag, Killing Eve) dirige i primi due episodi, di cui è anche executive producer.  Oren Uziel (The Lost City, 22 Jump Street) e Steve Lightfoot (The Punisher, Shantaram) sono co-showrunners ed executive producer della serie. 
Uziel e Lightfoot hanno sviluppato la serie insieme al team, premiato agli Oscar, di Spider-Man: Un nuovo universo: Phil Lord, Christopher Miller e Amy Pascal. Lord e Miller sono executive producer per la loro casa di produzione Lord Miller, insieme a Aditya Sood e Dan Shear. Amy Pascal è anche executive producer della serie per Pascal Pictures. Tra gli executive producer figurano anche Cage e Pavlina Hatoupis.  

Spider-Noir ha un carisma affascinante con le sue atmosfere squisitamente retrò e sopra le righe. È una serie televisiva coinvolgente che sfrutta nell’arco di 8 episodi un’azione da fumetto e colpi di scena ben congegnati, spaziando tra melodramma romantico, poliziesco e un tipo di comicità slapstick, e cura con dovizia di particolari tutti i personaggi che ruotano intorno al protagonista. Al fianco di Reilly ci sono la segretaria/investigatrice Janet (Karen Rodriguez), il giornalista Robbie Robertson (Lamorne Morris) e la femme fatale Cat Hardy (Li Jun Li).

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Scritto dal regista Carlo Verdone con Pasquale Plastino e Luca Mastrogiovanni, prodotto da Luigi e Aurelio De Laurentiis, Scuola di Seduzione racconta il moltiplicarsi di solitudini dovute all’incapacità di comunicare, chiacchierare, incontrarsi in un bar all’epoca dei social network, di schermi e di frasi fatte. “La seduzione diventa così un pretesto – racconta Verdone – attraverso lezioni, esercizi e situazioni paradossali, il film racconta insicurezze, tic, paturnie e contraddizioni, mostrando che dietro ogni comportamento c’è un bisogno profondo di essere compresi e amati. È proprio da questa fragilità trasversale che nasce l’idea della nostra Scuola di seduzione come luogo di rieducazione sentimentale”.

Peccato che il film non sia uscito in sala perché è una commedia corale fatta di personaggi concreti (reali) e situazioni buffe capace di far stare bene il pubblico.
Con la sua malinconia garbata, la sua comicità agrodolce, l’abilità di creare intrecci vivaci Carlo Verdone utilizza la grammatica della commedia per tracciare un’analisi psicologia e una dimensione sociologica di generazioni diverse tra di loro in cerca di emozioni umane. Più tenero che indulgente verso i suoi personaggi dai vari drammi esistenziali, Verdone sprigiona simpatia e coinvolge con un cast perfetto.




Uscita: dal 1 aprile su Paramount+
Genere: Commedia
Durata: 110′
Anno: 2026
Paese: Italia
Produzione: Filmauro
Distribuzione: Paramount+

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Nell’ottobre del 2021, la regista Julia Loktev, nata a San Pietroburgo, in Russia, ed emigrata negli Stati Uniti all’età di 9 anni, vola nella capitale russa, Mosca, durante le proteste nazionali a sostegno del leader dell’opposizione russa Alexei Navalny.
Il governo di Vladimir Putin reprimeva i giornalisti indipendenti che si occupavano delle proteste, etichettandoli come “agenti stranieri”. Il film offre uno sguardo in prima linea su come l’autoritarismo impatti le vite di chi resiste, un tema che diventa ogni giorno più rilevante a livello globale. Il documentario segue Alesya Marokhovskaya, Anna Nemzer, Elena Kostyuchenko, Irina Dolinina, Ksenia Mironova, Olga Churakova e Sonya Groysman.
Julia Loktev ha filmato alcuni di questi giornalisti che hanno continuato a denunciare gli abusi del regime, tra di loro Anna Nemzer, conduttrice di un talk show per il canale indipendente TV Rain; li ha seguiti nelle loro abitazioni e sul luogo di lavoro, spesso riprendendo con un cellulare. Per mesi si è documentata sul campo, ha raccolto intervisto, osservato il lavoro dei suoi colleghi, mentre le tensioni aumentavano.
Diretto e prodotto dalla regista americana di origine sovietica Julia Loktev (The Loneliest Planet, Day Night Day Night), I Miei Amici Indesiderati: Parte I – L’Ultima Trasmissione da Mosca è stato universalmente acclamato come un magistrale traguardo cinematografico. Il film è stato presentato in anteprima mondiale al New York Film Festival e in anteprima internazionale al Festival Internazionale del Cinema di Berlino nel 2025

Il documentario epico, un’emozione straziante quasi imponente che non si dimentica, I Miei Amici Indesiderati: Parte I – L’Ultima Trasmissione da Mosca in esclusiva su MUBI in tutto il mondo (escluse Russia e Bielorussia) il 3 aprile 2026. L’attesissimo seguito, I Miei Amici Indesiderati: Parte II – Esilio, debutterà anch’esso in esclusiva su MUBI nel corso dell’anno.

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Ci siamo. Manca un giorno all’inizio della 76ª edizione del Festival di Sanremo, il più importante e discusso evento legato alla canzone italiana. Anche quest’anno la rassegna si prepara a catalizzare l’attenzione del Paese (come spettacolo televisivo, s’intende, non certo come termometro dello stato della musica italiana, che è ben più ampio).

Sanremo 2026 arriva in un clima di grande attesa, alimentato dai preascolti riservati alla stampa nel mese di gennaio, che come da tradizione hanno prodotto una pioggia di pagelle, commenti e prime inevitabili gerarchie critiche. Un esercizio ufficioso, certo, ma sempre più influente nel costruire la narrazione iniziale del Festival. Così come la polemica Pucci e la discussa partecipazione di Laura Pausini come co-conduttrice.

LA LINE-UP: TRA CONTINUITÀ E RICERCA

Il cast di questa edizione si muove lungo una linea di equilibrio tra nomi affermati, artisti di area indie ormai pienamente mainstream e nuove voci che cercano la consacrazione sul palco dell’Ariston. La direzione artistica di Carlo Conti sembra aver assestato i soliti colpi al cerchio e alla botte: riconoscibilità autoriale (dei soliti noti), qualche tormentone immediato e un po’ di nomi noti, questi, per lo più al pubblico giovanissimo.

Ne emerge un panorama musicale se non altro coerente, poco eclatante forse sul piano musicale ma potenzialmente forte su quello emotivo / interpretativo (leggi alla voce Arisa).

LE PAGELLE DEI PREASCOLTI: COSA DICE LA STAMPA

Dai principali quotidiani ai magazine musicali, passando per siti specializzati e radio nazionali, le valutazioni convergono su un dato chiave: Sanremo 2026 è un Festival di canzoni da consumo rapido. In testa alle classifiche critiche spicca Ditonellapiaga (candidata alla vittoria?), il cui brano è stato definito brillante, centrato e perfettamente calibrato per il contesto sanremese. Subito dietro Fulminacci, che convince per coerenza stilistica e maturità narrativa, confermandosi una delle voci più credibili della nuova generazione cantautorale.

Molto apprezzata anche Serena Brancale, che porta in gara un pezzo intimo e viscerale, sorretto da un’interpretazione intensa e da una scrittura personale che ha colpito gran parte dei giornalisti presenti ai preascolti. Buoni riscontri, ma più divisivi, per il duetto tra Fedez e Marco Masini: un brano di forte impatto emotivo, che alterna momenti di grande efficacia ad altri giudicati più prevedibili. Una proposta che potrebbe trovare maggiore forza forse nella dimensione live.

Nel gruppo alto delle pagelle rientra anche Tommaso Paradiso, con una ballad riflessiva che parla di sentimenti adulti e quotidiani. Una canzone che non sorprende ma convince per misura e sincerità.

IL CENTRO CLASSIFICA E LE ZONE D’OMBRA

La fascia centrale delle valutazioni è ampia e affollata. Qui trovano posto artisti come Ermal Meta e diverse proposte provenienti dall’area urban e indie, giudicate interessanti ma non sempre memorabili al primo ascolto. Più in difficoltà, secondo la critica, alcune scelte percepite come anacronistiche o poco incisive, con voti bassi assegnati a brani ritenuti deboli sul piano dell’innovazione o della scrittura.

Il collega Matteo Magazzù ha riassunto tutti gli esiti dei preascolti qui, pubblicando la classifica della sala stampa.

CHE FESTIVAL SARÀ

Il quadro che emerge dalle pagelle di gennaio racconta un Sanremo 2026 sobrio (a parte l’immancabile paio di proposte in quota trash), emotivamente intenso e fortemente ancorato alla forma-canzone tradizionale. Un Festival che potrebbe crescere ascolto dopo ascolto, ma che rischia di apparire meno immediato rispetto ad alcune recenti edizioni.

Come sempre, però, il vero giudizio arriverà dal palco. L’orchestra, l’interpretazione dal vivo e la risposta del pubblico hanno spesso ribaltato pronostici e classifiche premature.

Sanremo resta un rito collettivo, un racconto nazionale in musica. E anche nel 2026, per cinque sere, l’Italia si fermerà ad ascoltare.

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Abbiamo visto in anteprima i 6 episodi (da un’ora ciascuno) diretti da Marco Bellocchio, scritti con Stefano Bises, Giordana Mari e Peppe Fiore, ne siamo usciti con un peso sul cuore, perché ancora oggi è folle quello che successo, e perché la scelta cronologia della narrazione degli eventi è asciutta ed esaustiva, senza fronzoli né esitazioni. Bellocchio e i suoi co-sceneggiatori hanno sviluppato una serie tv in crescendo emotivo che aumenta e coinvolge l’attenzione episodio dopo episodio. La riuscita di questa eccellente serie televisiva va riconosciuta a pari merito al cast, ogni attore ha donato a mani aperte la propria professionalità, bravura!, alla ricostruzione di questa vicenda dando una forza efficace di suggestione.

Portobello. Se la vostra memoria storica risale agli anni 80, non potete non ricordare la trasmissione televisiva Portobello, non fosse altro per il celeberrimo pappagallo presente in ogni puntata, racconta uno dei più clamorosi errori giudiziari italiani: la vicenda del presentatore televisivo Enzo Tortora, la parabola tragica della caduta di un uomo innocente.

Enzo Tortora è all’apice del successo. Dal ’77 conduce Portobello, trasmissione che raggiunge 28 milioni di spettatori in prima serata, tutti in attesa del concorrente che riuscirà a far parlare il pappagallo, ospite d’onore dello show. Il Presidente della Repubblica, Sandro Pertini, lo nomina Commendatore della Repubblica. Tortora è il re della Tv anni ’80 e il suo programma racconta e conforta il Paese. In quegli stessi anni il terremoto dell’Irpinia dà l’ultima scossa agli equilibri già fragili della Nuova Camorra Organizzata. Giovanni Pandico, uomo di fiducia del boss Raffaele Cutoloe spettatore assiduo di Portobello dalla sua cella, decide di pentirsi. Interrogato dai giudici fa un nome inatteso: Enzo Tortora. Quando il 17 giugno 1983 i carabinieri bussano alla sua stanza d’albergo Tortora pensa a un errore.
Ma è solo l’inizio di un’odissea che lo trascinerà dalla vetta al baratro. La stampa era già avvisata, fotografi compresi, prima ancora dell’interessato.

“Enzo Tortora era antipatico a una potente classe intellettuale – spiega Bellocchio – che vedeva con disprezzo e grande invidia questa sua enorme popolarità, di un liberale che non veniva dal popolo e che era un borghese molto presuntuoso. Il fatto poi che non avesse padrini, non era protetto né dalla D.C. né dal P.C.I., le due grandi chiese di allora, non appartenesse a logge massoniche, era laico e perciò anche la Chiesa diffidava di lui, insomma non godeva di nessuna protezione, lo danneggiò. Lo condannò. Tortora alla fine viene assolto anche se per ingiustizia morirà. Resta il mistero della cecità di certi giudici oltre ogni umana immaginazione. E la perseveranza nel loro errore”.

EPISODIO 1
Mentre Enzo Tortora sta raggiungendo le più alte vette del successo, il terremoto dell’Irpinia del
1980 rompe gli equilibri già fragili della Nuova Camorra Organizzata di Raffaele Cutolo. Il suo uomo
di fiducia, Giovanni Pandico, lasciato solo e spaventato dalle morti nel clan, decide di collaborare
con la giustizia e, interrogato dai giudici, fa il nome di Enzo Tortora.

EPISODIO 2
Il 17 giugno del 1983 Enzo Tortora viene arrestato con gravi accuse di appartenenza alla camorra e
traffico di droga. Esposto alla stampa con le manette ai polsi, è trascinato in carcere a Regina Coeli.
Ogni goccia di speranza evapora giorno dopo giorno mentre dalla sua cella Enzo assiste, impotente
e solo, al crescere delle accuse e all’accanimento di stampa e opinione pubblica.

EPISODIO 3
Mentre il giudice Fontana studia attentamente le carte di quello che si appresta ad essere il primo
grande processo contro la Camorra, Enzo Tortora attraversa l’Italia in un lungo e logorante viaggio
verso il trasferimento al carcere di Bergamo. Sulla stampa nazionale compaiono i primi isolati segni
di solidarietà, ma Enzo perde giorno dopo giorno salute e fiducia.

EPISODIO 4
Enzo ottiene la concessione degli arresti domiciliari e torna casa ma è depresso, malato e stanco.
Mentre montano le accuse e si avvicendano gli accusatori, nell’attesa di sapere se sarà rinviato a
giudizio, riceve una telefonata inattesa da Marco Pannella che gli propone di candidarsi alle elezioni
europee nelle fila del Partito Radicale. Il 17 giugno 1984 Enzo Tortora viene eletto
europarlamentare.

EPISODIO 5
A Napoli si accendono le luci dell’aula bunker per il primo maxiprocesso in assoluto della storia
italiana con oltre 700 imputati. Enzo Tortora è uno di loro, sicuramente il più famoso, l’elemento
che accende i riflettori su un’operazione memorabile per la giustizia italiana. Enzo è convinto di
poter dimostrare la propria innocenza in aula ma ogni tentativo sarà vano nel teatro dell’assurdo
messo in scena dai suoi accusatori. Il 17 settembre 1985, il Tribunale di Napoli condanna Enzo
Tortora a dieci anni di reclusione, a una multa e all’interdizione dai pubblici uffici.

EPISODIO 6
Il processo di secondo grado è assegnato a un nuovo giudice che, passato il clamore mediatico, ha il
tempo di ricostruire, ordinare e fare luce. In aula i pentiti vengono messi a confronto, si
contraddicono, la loro credibilità si sbriciola e le accuse iniziano a vacillare. Enzo assiste senza
aspettative al capitolo finale della vicenda che lo ha consumato travolgendo irrimediabilmente la
sua vita. Il 15 settembre 1986, la Corte d’Appello di Napoli assolve Enzo Tortora con formula piena.

La fotografia è di Francesco Di Giacomo, la scenografia di Andrea Castorina, i costumi di Daria Calvelli, il montaggio di Francesca Calvelli, le musiche di Teho Teardo.

La serie è una produzione OUR FILMS, società del gruppo Mediawan, e KAVAC FILM, in coproduzione
con ARTE France ed in collaborazione con Rai Fiction e The Apartment Pictures, una società del
gruppo Fremantle. È prodotta da Lorenzo Mieli e Mario Gianani per Our Films e da Simone Gattoni per
Kavac Film.

Portobello debutterà il 20 febbraio 2026 su HBO Max, dove sarà disponibile a livello globale, compresi i
prossimi mercati di lancio Italia e Regno Unito, esclusi Francia e Germania.

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Il documentario, però, non è utopico, anzi, coinvolge lo spettatore portandolo inevitabilmente a riflettere, indicando una via ma lasciando un margine di pensiero interpretativo soggettivo.

Dal punto di vista tecnico è interessante l’uso alternato di materiali d’archivio del XX secolo, riprese (perlopiù aeree) del mondo contemporaneo – in un’unione folgorante e ossimorica di bellezza e devastazione -, interviste agli esperti e brevi storie animate legate a quanto affermato. La fotografia accompagna con sobrietà l’analisi, così come la colonna sonora, che costituisce un ulteriore forte legame con la contemporaneità.

Il cuore del documentario è la pluralità, la coesistenza di idee diverse: non si danno risposte nette ma si invita a pensare in un’ottica il più ampia possibile, auspicando una collaborazione tra i diversi settori del sapere. Risulta, pertanto, geniale come il documentario stesso metta in atto questa teoria unendo voci geograficamente e “scientificamente” lontane.

Il linguaggio tecnico utilizzato e la laboriosità di certi ragionamenti potrebbero apparentemente rendere il documentario ostico per un pubblico poco abituato a confrontarsi con un lessico specifico, ma Viananda dispone internamente degli strumenti necessari per comprendere i messaggi. I frammenti animati – ad esempio – forniscono una chiave di lettura affascinante e adatta a tutti. 

Per queste ragioni, oltre che, naturalmente, per i temi trattati, l’opera appare adatta per essere proposta in tutti gli ordini scolastici a partire dagli ultimi anni di primaria, nei cineforum e in dibattiti di attualità. 

L'articolo “Viananda” di Francesco Garbo e Gianmaria Zago proviene da NonSoloCinema.

Nella seconda stagione, la scuola è ricominciata. Mentre il resto dell’America è costretto ad adeguarsi al pugno di ferro di Homelander, alla Godolkin University il misterioso nuovo Rettore annuncia un programma di studi che promette di rendere gli studenti più potenti che mai. Cate e Sam vengono celebrati come eroi, mentre Marie, Jordan ed Emma tornano al college con riluttanza, segnate da mesi di traumi e perdite. Ma è difficile prestare attenzione alle feste e alle lezioni mentre è in corso la guerra tra umani e Supes, sia all’interno che all’esterno del campus. La banda viene a conoscenza di un programma segreto che risale alla fondazione della Godolkin e che potrebbe avere implicazioni più grandi di quanto si possa immaginare. E, in qualche modo, Marie ne fa parte.

Nel cast della seconda stagione ritroviamo Jaz Sinclair nel ruolo di Marie Moreau, Lizze Broadway in quello di Emma Meyer, Maddie Phillips nei panni di Cate Dunlap, London Thor come Jordan Li, Derek Luh come Jordan Li in forma maschile, Asa Germann nel ruolo di Sam Riordan e Sean Patrick Thomas in quello di Polarity. Al cast si aggiunge Hamish Linklater nel ruolo di Dean Cipher. 

Michele Fazekas è showrunner ed executive producer. Nel ruolo di executive producer figurano anche Eric Kripke, Seth Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Ken Levin, Jason Netter, Garth Ennis, Darick Robertson, Michaela Starr, Ori Marmur, Thomas Schnauz, Steve Boyum e Brant Engelstein. Loreli Alanís, Gabriel Garcia e Jessica Chou sono co-executive producer. La serie è prodotta da Sony Pictures Television e Amazon MGM Studios, in collaborazione con Kripke Enterprises, Point Grey Pictures e Original Film.

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Il cinema vive anche di ossessioni (magnifiche, nei casi migliori), e quella di Guillermo del Toro per l’altra faccia della mostruosità lo è di certo. Come lo è quella del regista messicano per la favola dell’orrore scaturita dalla penna di Mary Shelley e tornata ciclicamente al cinema, dal classico di James Whale del 1931 all’indimenticabile Frankenstein Junior di Mel Brooks fino ad arrivare alla versione di Kenneth Branagh con Robert De Niro nei panni dell’essere “contro natura”, come accade alle storie senza tempo. E ancora una volta continuiamo a chiederci – senza ormai nutrire più alcun dubbio – chi sia veramente il mostro al centro di questa mitologica e archetipica narrazione.

Il Frankenstein di Guilliermo del Toro non rivoluziona il soggetto e non stravolge l’immaginario collettivo legato alla creatura nata dall’assemblaggio di cadaveri e dalla superbia dell’uomo che volle farsi Dio sovvertendo le leggi della biologia. Anzi, cavalca orgogliosamente l’aderenza all’originale. Ma se il bagno di grazia e purezza riservato al diverso rimane il fulcro della prospettiva del regista di Pinocchio, il rapporto padre/figlio tra Victor e la Creatura assume contorni profondi e riferimenti quasi religiosi (di matrice cattolica), sconfinando prima in riflessioni su eternità ed espiazione, passando attraverso colpa e arbitrio per toccare poi concetti ben più terreni come vanità ed egocentrismo.

L’amore di del Toro per i propri personaggi, anche i più controversi, è così evidente da perdonare in Frankestein alcune sequenze che in altre mani meno empatiche avrebbero potuto perdere di credibilità. Ma se c’è un limite a questo racconto amorevole e profondo è proprio quello di indugiare troppo sulla descrizione verbale di alcune scene, quando il talento visivo del regista messicano sarebbe stato più che sufficiente (basti pensare al rapporto tra i silenziosi protagonisti di La forma dell’acqua). Il racconto a flashback, strutturato su due versioni contrapposte e divergenti ripercorse dai due narratori, in questo senso non aiuta. Così la forza delle immagini rischia invece di venire attenuata da commenti a volte didascalici a volte ridondanti, distraendo dal corpus della storia e intaccando, per fortuna solo parzialmente, la ricchezza compositiva e narrativa della messa in scena.

La ricca produzione della piattaforma digitale permette a del Toro di realizzare una prospettiva che coniuga sapientemente effetti visivi, limitati nella forma e nel tempo, e alto artigianato nelle scenografie e nei costumi, evocando scenari e immaginari che però, in qualche modo, fanno già parte del repertorio stilistico del regista (a cominciare da Crimson Peak). Di certo la scelta del cast invece si rivela efficace in ogni ruolo, coerente con il nuovo corso della prospettiva mostruosa: il sex symbol Jacob Elordi dona alla creatura un fascino certamente inedito.

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