Il cinema vive anche di ossessioni (magnifiche, nei casi migliori), e quella di Guillermo del Toro per l’altra faccia della mostruosità lo è di certo. Come lo è quella del regista messicano per la favola dell’orrore scaturita dalla penna di Mary Shelley e tornata ciclicamente al cinema, dal classico di James Whale del 1931 all’indimenticabile Frankenstein Junior di Mel Brooks fino ad arrivare alla versione di Kenneth Branagh con Robert De Niro nei panni dell’essere “contro natura”, come accade alle storie senza tempo. E ancora una volta continuiamo a chiederci – senza ormai nutrire più alcun dubbio – chi sia veramente il mostro al centro di questa mitologica e archetipica narrazione.

Il Frankenstein di Guilliermo del Toro non rivoluziona il soggetto e non stravolge l’immaginario collettivo legato alla creatura nata dall’assemblaggio di cadaveri e dalla superbia dell’uomo che volle farsi Dio sovvertendo le leggi della biologia. Anzi, cavalca orgogliosamente l’aderenza all’originale. Ma se il bagno di grazia e purezza riservato al diverso rimane il fulcro della prospettiva del regista di Pinocchio, il rapporto padre/figlio tra Victor e la Creatura assume contorni profondi e riferimenti quasi religiosi (di matrice cattolica), sconfinando prima in riflessioni su eternità ed espiazione, passando attraverso colpa e arbitrio per toccare poi concetti ben più terreni come vanità ed egocentrismo.

L’amore di del Toro per i propri personaggi, anche i più controversi, è così evidente da perdonare in Frankestein alcune sequenze che in altre mani meno empatiche avrebbero potuto perdere di credibilità. Ma se c’è un limite a questo racconto amorevole e profondo è proprio quello di indugiare troppo sulla descrizione verbale di alcune scene, quando il talento visivo del regista messicano sarebbe stato più che sufficiente (basti pensare al rapporto tra i silenziosi protagonisti di La forma dell’acqua). Il racconto a flashback, strutturato su due versioni contrapposte e divergenti ripercorse dai due narratori, in questo senso non aiuta. Così la forza delle immagini rischia invece di venire attenuata da commenti a volte didascalici a volte ridondanti, distraendo dal corpus della storia e intaccando, per fortuna solo parzialmente, la ricchezza compositiva e narrativa della messa in scena.

La ricca produzione della piattaforma digitale permette a del Toro di realizzare una prospettiva che coniuga sapientemente effetti visivi, limitati nella forma e nel tempo, e alto artigianato nelle scenografie e nei costumi, evocando scenari e immaginari che però, in qualche modo, fanno già parte del repertorio stilistico del regista (a cominciare da Crimson Peak). Di certo la scelta del cast invece si rivela efficace in ogni ruolo, coerente con il nuovo corso della prospettiva mostruosa: il sex symbol Jacob Elordi dona alla creatura un fascino certamente inedito.

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Servono 25 mila dollari a Lynette per bloccare una casa, per avere un tetto sulla testa che possa garantirle una sicurezza famigliare in un sistema sociale al collasso dove i più fortunati vivono in macchina, mentre gli altri senzatetto invadono le strade. Era convinta di averne la disponibilità, ma si ritrova a bussare di porta in porta per chiedere aiuto. Ha le 12 ore notturne prima che la casa venga venduta a qualcun altro. Lynette, che cerca di migliorare la sua vita dopo esperienze ai limiti per sopravvivere, se la deve cavare da sola, la miseria e la disperazione non creano solidarietà, non fanno nascere amicizie tra gente che annaspa. Lynette è una donna che lotta da sola in modo impulsivo per un legame disperato con il fratello disabile. Toccato il fondo Lynette non può fare rendersi conto che deve combattere e cambiare solo per se stessa.

“Lynette è spinta da un disperato bisogno di sicurezza, dall’idea di casa tanto quanto, credo, dalla sua realtà”, dice Caron. “Eppure è tormentata dalla paura di non meritarla. Il suo viaggio è uno studio sulla propulsione. Ogni decisione, per quanto sconsiderata, è un tentativo di superare il suo passato e ritagliarsi un futuro”.
Il regista Caron ritrova la bravissima Kirby dopo la serie televisiva the Crown dove l’attrice ha dato le sembianze perfette alla principessa Margaret nella prima e seconda stagione.
Night Always Comes è, come si diceva, un thriller sociale ad alta tensione, fatto di inseguimenti e violenze.
Da oggi 15 agosto è disponibile sulla piattaforma Netflix. Ed è un ottimo passatempo adrenalinico per le ultime serate agostane.

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Nella seconda stagione della serie, Mercoledì Addams (Jenna Ortega) torna ad aggirarsi per i corridoi gotici della Nevermore Academy, dove l’attende una nuova serie di nemici e problemi. In questa stagione Mercoledì deve destreggiarsi tra famiglia, amici e vecchi avversari, per affrontare un altro anno di caos splendidamente oscuro e bizzarro. Armata della sua caratteristica arguzia tagliente e del suo fascino imperturbabile, Mercoledì si ritrova al centro di un nuovo agghiacciante mistero soprannaturale.

Per quanto riguarda la regia, Tim Burton ha diretto gli epidosi 201, 204, 207, 208, Paco Cabezas i 202, 203, e Angela Robinson i 205 e 206.

Il cast principale è composto da: Jenna Ortega, Emma Myers, Steve Buscemi, Catherine Zeta-Jones, Luis Guzman, Isaac Ordonez, Joy Sunday, Billie Piper, Luyanda Unati Lewis-Nyawo, Moosa Mostafa, Georgie Farmer, Victor Dorobantu, Evie Templeton, Owen Painter, Noah B. Taylor, Hunter Doohan.

Spiccano le Guest Stars: Jamie McShane, Joanna Lumley, Joonas Suatamo, Fred Armisen, Christopher Lloyd, Thandiwe Newton, Heather Matarazzo, Haley Joel Osment, Frances O’Connor, Lady Gaga.

Non si può parlare della serie televisiva Wednesday senza citare la costumista Colleen Atwood.
Perché il merito del successo di questa bizzarra e moderna versione della Famiglia Addams (creata da Charles Addams in una serie di vignette a partire dal 1938 e poi resa celebre in una serie televisiva andata in onda dal 1964 al 1966, cui fecero seguito serie tv animate e 3 film negli anni ’90, un film d’animazione nel 2019) non è solo dei produttori e sceneggiatori Alfred Gough, Miles Millar e, ovviamente, della visionarietà di Burton, ma il merito della stravaganza elegante di Wednesday va riconosciuto a Colleen Atwood, i suoi costumi originali che definiscono il carisma delizioso e macabro dei personaggi.

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È in arrivo su Netflix una nuova serie televisiva italiana ispirata alla spagnola Maschos alfa, giunta alla terza stagione.
Abbiamo visto in anteprima gli 8 episodi, con Maurizio Lastrico, Matteo Martari, Francesco Montanari e Pietro Sermonti, speriamo di fermarci qui, alla prima stagione.
Nulla da dire sul cast, nulla da dire sull’affiatamento degli attori.
C’è in qualcosa di incomprensibile nell’utilizzo quasi forzato di una banalità sciocca nel trattare l’argomento della parità di genere (all’interno della coppia) e sostenere che anche le donne hanno le loro esigenze emotive e sessuali; c’è qualcosa di svilente nel trovare il lato comico a tutti i costi utilizzando di stereotipi sgangherati.

Maschi veri è una produzione Groenlandia (società del gruppo Banijay), prodotta da Matteo Rovere, è scritta da Furio Andreotti, Giulia Calenda e Ugo Ripamonti e diretta da Matteo Oleotto e Letizia Lamartire. Nel cast della serie anche Thony, Sarah Felberbaum, Laura Adriani, Alice Lupparelli, con Corrado Fortuna e Nicole Grimaudo.

DETTAGLI SULLA SERIE

Numero episodi: 8 

Regia: Matteo Oleotto, Letizia Lamartire 

Produzione: Groenlandia (società del gruppo Banijay)

Prodotta da: Matteo Rovere 

Produttore Esecutivo: Paolo Lucarini 

Produttrice Delegata: Camilla Fava del Piano

Scritta da: Furio Andreotti, Giulia Calenda, Ugo Ripamonti

Cast principale: Maurizio Lastrico, Matteo Martari, Francesco Montanari, Pietro Sermonti, Thony, Sarah Felberbaum, Laura Adriani, Alice Lupparelli, con Corrado Fortuna e Nicole Grimaudo 

Basata sulla serie creata da Alberto Caballero, Laura Caballero, Daniel Deorador, Araceli Alvarez de Sotomayor e prodotta da CONTUBERNIO, S.L. 

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La storia è ben nota: evidente è l’intenzione di distaccarsi dall’adattamento cinematografico per prestare maggior fedeltà al libro. L’ambientazione è la Sicilia del 1860 e protagonista è il Principe di Salina, Don Fabrizio Corbera, il cosiddetto Gattopardo, qui impersonato da Kim Rossi Stuart. Sono gli anni dei moti d’unificazione d’Italia e l’aristocrazia siciliana, per quanto ben salda, sente il proprio potere fortemente minacciato. Sebbene il Principe sostenga che la vanità della propria casata sia più forte di qualsiasi esercito si trova costretto a stringere alleanze contrarie ai suoi principi per salvare il futuro della sua famiglia. In un periodo di lotte e morte germoglia un amore, quello tra Tancredi (Saul Nanni), nipote del Principe, e Angelica (Deva Cassel), un sentimento come quasi sempre dalle ricadute contraddittorie, positive per alcuni, ma causa di sofferenza per altri.

Ciò che colpisce di questo adattamento ambizioso è sicuramente l’estetica dei paesaggi e l’amore che traspare per la Sicilia. Si tratta di una storia tutta italiana, specificatamente siciliana, che tuttavia non è realizzata esclusivamente da una troupe autoctona. Nonostante ciò, l’amore per la Sicilia emerge totalmente, afferma infatti il regista Tom Shakland «Questo libro ha sempre avuto un grande significato per me. Ancora prima di leggerlo, Il Gattopardo aveva uno status mitico nella mia famiglia, perché era uno dei romanzi preferiti di mio padre. Quando l’ho letto per la prima volta durante un viaggio on the road in Sicilia, l’effetto su di me è stato ipnotico. Certo, ero coinvolto nella lotta del Principe per affrontare l’ondata del Risorgimento che travolgeva la sua vita, ma allo stesso tempo non ho mai sentito di leggere qualcosa che parlasse esclusivamente del passato». Prosegue ribadendo il forte fascino che la Sicilia ha esercitato nella sua infanzia, e che ha voluto infondere anche nella serie, in un tripudio di dolci colorati e del sole accecante, descrivendo la Sicilia come un ”banchetto di sensi’’. Il regista, dunque, scrive questa lettera d’amore alla Sicilia, nella quale però, per apprezzarne la natura effimera della sua bellezza era necessario cogliere anche il latente pericolo e decadimento.

Gli autori, inoltre, si sono serviti delle pagine bianche, delle cose non dette, per approfondire anche personaggi secondari, conferendo loro ancor più veridicità grazie al contributo di studiosi della storia del periodo, con l’obiettivo di dare nel complesso la maggior verosimiglianza possibile alla resa scenica. Particolare l’attenzione, ad esempio, è stata riservata a Concetta (Benedetta Porcaroli), per l’appunto fra i personaggi su cui precedentemente non ci si era soffermati. La cura spazia dalle ambientazioni ai costumi fino alla musica composta da Paolo Bonvino.

Quella trattata è una storia senza tempo, l’attualità del romanzo è indiscutibile, più che mai nella fatidica frase pronunciata da Tancredi «Se vogliamo che tutto rimanga come è, bisogna che tutto cambi». Nella vicenda vengono approfondite le traversie di una generazione a cavallo fra i vecchi tempi e i nuovi. È evidente l’intento di dare un respiro internazionale a una storia italiana. Tuttavia, il prodotto, che si presentava già di per sé molto rischioso, viene realizzato attraverso l’impiego di strutture narrativo-stilistiche tipiche delle produzioni di Netflix, con esiti non molto convincenti.

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Fausto è un malato terminale, sa che i suoi giorni sono contati.
Per questo sta programmando la vita dei suoi dei bambini. Ha previsto il loro futuro senza di lui, con una famiglia improbabile, ma famiglia.
6 episodi da circa 50 minuti ciascuno, Storia della Mia Famiglia non ingrana subito. O meglio il primo episodio lascia una sorta di incomprensione sull’evolversi della storia, ma non priva della curiosità di capire cosa succederà. Dal secondo in avanti la narrazione inizia a svelarsi e conquistare. Episodio dopo episodio si viene a conoscenza della storia dei componenti di un clan d’amore cui Fausto impone responsabilità inattese.

E così ci si trova ad avere a che fare con una serie tv che non si vorrebbe mai abbandonare per la tensione emotiva fatta di di gioie e di cadute, di risate, di persone capaci di commettere errori macroscopici e piccoli gesti eroici. In cui ognuno, nessuno escluso, dando del proprio peggio cercherà di fare del proprio meglio.

Girata tra Roma, Napoli e la costiera Sorrentina, Storia della Mia Famiglia, disponibile dal 19 febbraio su Netflix, è nata da un’idea di Filippo Gravino (che scrive la sceneggiatura con la collaborazione di Elisa Dondi (per gli episodi 2, 4, 5), mentre la regia è di Claudio Cupellini (La terra dei figli). Il cast artistico è guidato da un commovente Edoardo Scarpetta e un’energia Valeria Scalera.

Eduardo Scarpetta Vanessa Scalera Massimiliano Caiazzo Cristiana Dell’Anna Gaia Weiss Antonio Gargiulo Filippo Gili Jua Leo Migliore Tommaso Guidi con la partecipazione di Aurora Giovinazzo

Fausto Lucia Valerio Maria Sarah Demetrio Sergio Libero Ercole Valeria

“Storia della mia famiglia è un racconto che ho sentito appartenermi fin dalla prima volta che ne ho letto il soggetto – racconta il regista – Filippo Gravino, con il quale ho scritto tre dei miei precedenti film, conosceva bene i temi ai quali sono legato. Questa serie allarga il suo sguardo su un mondo molto più ampio, che è quello di una famiglia allargata, un gruppo di persone che si stringe attorno a due bambini per preservarne la serenità e dare loro un futuro di speranza dopo la morte del padre e durante un periodo di crisi della madre. Storia della mia famiglia si presentava quindi come un racconto corale, una storia variegata dove avevo l’occasione di scavare dentro i cuori e i pensieri di personaggi molto diversi tra loro, uniti però da una caratteristica comune che non è dato incontrare spesso sia nel mondo cinematografico sia in quello seriale: una strabordante umanità, un cuore vivo e pulsante, che tra mille problemi e infiniti inciampi riesce a colmare i difetti e le imperfezioni tipiche di ogni essere umano”.

“Ero alle prese con un lutto – racconta l’autore Filippo Gravino – e mi chiedevo quale fosse, se esiste, l’antidoto alla paura, all’inadeguatezza e alla tristezza portate dalla perdita di una persona cara. La risposta piccola, forse anche ovvia, che ho trovato è che questo antidoto si chiama tribù. La tribù non è semplicemente una famiglia, è una comunità ramificata di amici, madri, fratelli, amori e affetti che, insieme, cerca di curare il dolore condiviso del lutto. Ecco, quel che conta è non restare soli, ma far parte di una tribù. Storia della mia famiglia racconta esattamente questo: la costruzione di una tribù per sopportare il dolore della morte”.

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La serie in 6 episodi prodotta da Cattleya – parte di ITV Studios – sarà disponibile solo su Netflix dal 15 gennaio 2025.

Tratta dall’opera letteraria “ACAB” di Carlo Bonini edita in Italia da Giangiacomo Feltrinelli Editore, la serie Netflix è ideata da Carlo Bonini e Filippo Gravino, che scrivono la sceneggiatura con Elisa Dondi, Luca Giordano e Bernardo Pellegrini, con lo story editing di Filippo Gravino.
La serie richiama parte del cast di ACAB – All Cops Are Bastards, film del 2012 diretto da Stefano Sollima, al suo esordio sul grande schermo, tratto dall’omonimo libro di Carlo Bonini.

“Due sono i temi che scatenano i conflitti del nostro racconto: ordine e caos – raccontano gli autori della serie – A moderare questa antinomia le società moderne utilizzano due forme di controllo: la legge e la morale. Necessarie a tracciare una linea di confine. Da una parte c’è tutto ciò che è lecito, giusto o semplicemente accettato dalla società: amore, famiglia, aspirazione alla felicità, libertà individuale, rispetto degli altri. Dall’altra parte c’è il caos, tutto ciò che è al di fuori della legge e della morale: illegalità, tradimento, violenza, vendetta. La domanda tematica dalla serie attraversa i due piani, quello sociale e quello individuale. Ci chiediamo: quanto disordine può permettersi una società democratica? Mentre, sul piano individuale, quanto caos siamo in grado di governare nelle nostre vite? I celerini non sono poliziotti come gli altri. Non indagano, non arrestano ladri e spacciatori. I celerini sono come palombari che, indossati gli scafandri, s’immergono nel caos. Sono gli uomini scelti dallo Stato per presidiare quel confine sottile e oscuro, quella zona d’ombra, che chiamiamo genericamente “piazza”, sia questa il centro storico di una città, una discarica, un cantiere, i cancelli di una fabbrica, il molo di un porto, uno stadio.  Sono la faccia protetta da un casco che lo Stato offre in prima istanza al cittadino nel suo atto di ribellione. Spesso, la sola faccia tangibile che lo Stato offre di sé. In questo spazio, la legge viene spesso interpretata e declinata secondo sentieri imponderabili, nel bene e nel male, e i patti sono, anche se discutibili, molto chiari. I nostri poliziotti, le cosiddette “forze dell’ordine”, sono pagati per reprimere gli improvvisi geyser di disordine che ogni società tenta faticosamente di espungere da sé. Sono i prescelti a fronteggiare la minaccia del caos, perché strumento con cui lo Stato esercita il suo monopolio della forza. Sono la faccia con cui lo Stato presidia il confine che protegge l’ordine: uomini e donne a cui è pericolosamente consentito di vivere tra legge e disordine. Sono abituati a gestire la violenza, a fronteggiarla, a farne strumento di repressione. Ma tutto questo avviene all’interno di un confine protetto, che è quello della squadra. Un perimetro dentro al quale non è più la lettera della legge a indicare i comportamenti leciti, lo spazio di azione; ciò che conta davvero è solo il vincolo di fratellanza e il proteggersi l’uno con l’altro. Questo è l’unico modo per sopravvivere. Così facendo, è possibile, per loro, vivere senza lasciare che sentimenti oscuri che provano nei servizi di ordine pubblico, contagino poi le proprie esistenze quotidiane? I poliziotti si trovano, così, prigionieri di esistenze bipolari, dominate dal paradosso per cui per ristabilire l’ordine sono chiamati ad utilizzare strumenti e metodi che mettono continuamente alla prova le leggi e la morale, la loro interpretazione e il loro reciproco rapporto. La nostra serie indaga le conseguenze umane e sociali di questa pericolosa scissione.”

Michele Alhaique, il regista, aggiunge: “Quello che mi è saltato subito agli occhi leggendo i primi copioni di ACAB è il lavoro che gli autori avevano fatto per mettere a fuoco il rapporto tra la professione e la vita privata dei personaggi. Si tratta di una relazione bidirezionale. ACAB è una serie che mette al centro i personaggi, sono loro che veicolano la storia fin dal primo fotogramma. È la frustrazione privata di Pietro (“Mia moglie s’è rotta il cazzo!”) a far sì che usi la mano pesante contro gli antagonisti in Val di Susa? O si tratta invece del suo modo di gestire l’ordine pubblico? Nascono prima i conflitti interiori o quelli esteriori? La violenza è un tema che ho sempre provato ad esplorare nei miei lavori. In ACAB la violenza viaggia su due binari paralleli, c’è quella visibile, fisica, messa in scena negli scontri. Poi c’è un’altra violenza, che viaggia più sotterranea e minacciosa, che condiziona in maniera più profonda i personaggi e le loro relazioni. Ognuno di loro affronta un percorso privato che lo porterà a scontrarsi con i propri affetti e saranno questi conflitti a influenzare le azioni che compiranno con la divisa addosso.”

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È in arrivo su Netflix una nuova serie televisiva di spionaggio tagliente, bizzarra, intrigante resa brillante da due attori con un innato affiatamento: Keira Knightley e Ben Whishaw.
È quasi Natale. Siamo a Londra, e fremono i preparativi per la Feste.

Helen Webb (Keira Knightley), è una moglie affettuosa e madre attenta di due gemelli in età prescolare. Solo che Helen Webb non esiste. O meglio la sua identità. Lei è una Black Doves, una spia professionista.

Da 10 anni trasmette i segreti del marito politico all’oscura organizzazione per cui lavora: le Black Doves.

Quando l’uomo di cui si è improvvisamente innamorata, Jason (Andrew Koji), viene assassinato, il suo capo spia, l’implacabile Reed (Sarah Lancashire), si affida a Sam (Ben Whishaw), un vecchio amico di Helen, per proteggerla. Helen e Sam partono insieme in missione per indagare su chi ha ucciso Jason e perché, arrivando a scoprire una vasta cospirazione che collega la torbida malavita londinese a un’incombente crisi geopolitica.

Autore, ideatore e produttore esecutivo è Joe Barton (Giri/Haji, The Lazarus Project ) che gioca con leggerezza e competenza con gli archetipi di generi diversi (thriller, commedia romantica e caustica, spionaggio, azione) mescolandoli.
Il risultato sono sei piacevoli episodi (da circa 45 minuti ciascuno) che intrattengono e coinvolgono con una trama snella nel gestire le varie situazioni personali e di azione, e stravagante nel suo british humour.

Black Doves è in arrivo su Netflix dal 5 dicembre 2024. Netflix ha già confermato che la serie tornerà con una seconda stagione.

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Accanto a lei Amerigo acquista una consapevolezza che lo porta ad una scelta dolorosa che cambierà per sempre la sua vita. Gli serviranno molti anni per scoprire la verità: chi ti ama non ti trattiene, ma ti lascia andare. Dal bestseller di Viola Ardone un film epico e struggente. Un viaggio attraverso la miseria, ma anche la generosità dell’Italia del dopoguerra, vista dagli occhi di un bambino diviso tra due madri.

“Il libro Il treno dei bambini di Viola Ardone ha rivelato a molti una storia dimenticata del nostro dopoguerra. Decine di migliaia di bambini poverissimi di Napoli, ma anche di altre città del centro sud, furono accolti da famiglie contadine emiliane. Un viaggio epico, organizzato dall’Unione Donne Italiane, che racconta un’Italia impegnata nello slancio
solidale.
Allo stesso tempo il libro narra, attraverso la storia del bambino Amerigo e delle sue due madri, le fratture nella vita dei singoli che restano insanabili dopo le guerre. Il tema delle due madri, tutte e due imperfette, mi pare inoltre di grande importanza oggi che per la prima volta riflettiamo in modo nuovo sulla natura dell’amore materno.
Sono sempre stata interessata alle storie personali che si svolgono in una Storia più grande. Qui mi è sembrato inoltre di raccontare una vicenda passata ma attualissima: il biennio 1945-1947, in cui si organizzarono i treni dei bambini, è un periodo in cui sembrava possibile un Paese unito.” Cristina Comencini

Regia di Cristina Comencini
Scritto da Furio Andreotti, Giulia Calenda, Cristina Comencini, Camille Dugay
Dal romanzo “Il treno dei bambini” di Viola Ardone 
edito in Italia da Giulio Einaudi editore
Prodotto da Carlo Degli Esposti, Nicola Serra
Una produzione: Palomar
con il sostegno del Ministero della Cultura e della Regione Emilia-Romagna
Cast: Barbara Ronchi, Serena Rossi, Christian Cervone, Francesco Di Leva, Antonia Truppo, Monica Nappo, Dora Romano, Beatrice Schiros, Ivan Zerbinati, Lucio Morano, Jacopo Pagano Guerrieri, Domenico Rea, Sophia Cecere 
e con la partecipazione di Stefano Accorsi

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In collaborazione con la famiglia Senna arriva su Netflix la miniserie che racconta la vita  del pilota brasiliano, un uomo che è diventato un eroe nazionale  e ha conquistato il mondo.
Gabriel Leone (Dom) interpreta Ayrton Senna nella ricostruzione di una vita di trionfi, delusioni, gioie e dolori, partendo dagli inizi.

La serie svela la personalità e le sue relazioni personali  del tre volte campione del mondo di Formula 1 dall’inizio della carriera automobilistica, dal trasferimento in Inghilterra per competere nella Formula Ford, fino al tragico incidente di Imola, in Italia, durante il Gran Premio di San Marino.

I sei episodi, da circa 50 minuti ciascuni, saranno disponibili sulla piattaforma Netflix a partire dal 29 novembre.
La miniserie è stata girata principalmente in Brasile, a San Paolo e Angra dos Reis. Alcune scene sono state girate anche in Argentina, Uruguay e Regno Unito.

“Prima ancora di salire su una macchina, sapevo di essere nato per correre” dice Ayrton Senna,

Produttori: Fabiano Gullane e Caio Gullane

Capo Sceneggiatore: Gustavo Bragança

Scritto da: Álvaro Campos, Gustavo Bragança, Rafael Spínola, Thais Falcão e Álvaro Mamute

Registi: Vicente Amorim e Júlia Rezende

Regista e showrunner: Vicente Amorim

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